ʿAlī Ḥoseynī Khāmeneī – Ontology of Resistance
“The primary given reality that a being encounters is the experience of its external sense organs. This experience possesses the most immediate and hypnotic conviction.”
— Geydar Dzhemal, Vertical North.
In a world dominated by functional illusion—where the existing order disguises itself as peace and aggression poses as negotiation—the words of ʿAlī Ḥoseynī Khāmeneī tear through the veil of ideological hypnosis. The videos collected here are not mere political statements, but articulations of an ontological and spiritual position: Iran presents itself as a resisting principle, a radical and vertical subject that refuses both imposed peace and imposed war—the two masks of the same Western domination.
Imposed peace is more dangerous than war: it seduces, promises stability, but demands ontological surrender—the renunciation of one’s subjectivity. In this sense, the Iranian people, as the Supreme Leader declares, will not surrender. This is not patriotic rhetoric, but a rejection of what Geydar Dzhemal defines as “ontological naivety”: the blind belief that the external world—the functional reality—is just, proportionate, and measurable.
The Zionist aggression—carried out while indirect negotiations with the USA were underway—is identified by Khāmeneī as a deliberate crime, an act of violent illusion: an attempt to rewrite reality through force and falsehood. But Iran, as a spiritual and political subject, does not recognize this right to manipulate destiny. Hence the central message:
“The Iranian people firmly oppose the imposed war and the imposed peace. This people will not yield to any imposition.”
In Dzhemal’s language, mechanistic functionality is the fate of a being lacking ontological suspicion. The functional being does not suspect the absurdity of reality, does not understand that every treaty, every war, every hegemonic narrative is built upon a radical absence of harmony. Iran, through its refusal, disrupts the world order. Victory is not only military or strategic:
“The Iranian people have shown their greatness, their character. United and solid, they spoke with one voice. And they won.”
The war between Iran and Israel (with direct involvement from the United States) is interpreted as a clash between image and reality, between technical-military power and spiritual potency. If the West believes that simply demanding surrender ensures domination, Iran shows that history is not over—because the subjective principle of being can still resist the impersonal mechanism of destiny.
The slogan “Death to America,” echoed far beyond Iran’s borders, is an ontological cry—the symbolic death of the American illusion, of the Empire founded on image, on the fiction of proportion, on the apparent commensurability between means and ends. This slogan points to the dissolution of that global system which Dzhemal defines as “normal vital idiocy,” where every meaning is functional and every hope a false promise.
In its steadfastness, the Iranian people today embody the figure of a resisting subject, challenging the fiction of linear time and the logic of equivalence.
In an age where everything is functionalized, where even peace becomes a weapon of war, Iran reminds the world that the Principle still exists: that which cannot be reduced, measured, or negotiated. — Diego Cinquegrana

«Tradizione è scavare e nutrire le radici, le foglie faranno il loro lavoro da sole». – Padre Andrej Yuryevich Tkačev

Tradizione e Identità. Verso una Politica dell’Eterno
All’interno della serie televisiva russa Азбука традиционных ценностей (“L’alfabeto dei valori tradizionali”), trasmessa dal canale Tsargrad, si apre un discorso che non è solo culturale o morale, ma profondamente metafisico e politico. La prima puntata – “Tradizione” – ospita tre figure centrali della rinascita spirituale russa: l’imprenditore, filantropo e mecenate della rinascita spirituale ortodossa russa Konstantin Malofeev, il pensatore tradizionalista Aleksandr Dugin e il sacerdote ortodosso padre Andrej Tkačev.
Ciò che ne emerge non è una semplice discussione sui “valori”, ma l’elaborazione di una visione del mondo. Una Weltanschauung che contesta il paradigma moderno e annuncia una nuova età della lotta: la lotta per l’uomo eterno.
Tradizione vs Modernità: due antropologie a confronto
Aleksandr Dugin definisce la tradizione come ciò che si oppone alla modernità. Il punto di rottura fondamentale è l’idea stessa di tempo. Mentre la modernità concepisce la storia come progresso lineare – dal “meno” al “più” – la tradizione guarda all’origine come fondamento. L’inizio, l’archè, è portatore di senso più del futuro.
In questa inversione di prospettiva si giocano due antropologie:
• da un lato, l’uomo moderno, autoreferenziale, tecnocratico, scollegato dalla trascendenza e ridotto a consumatore;
• dall’altro, l’uomo tradizionale, radicato nell’eterno, legato al divino, custode di una dignità inscritta nella creazione.
Come ricorda padre Tkačev, “ricorda da dove sei caduto e pentiti” (Ap 2,5): il cammino dell’uomo non è ascesa meccanica, ma memoria e ritorno.
La morte dell’eterno e la sterilità del linguaggio moderno
Malofeev osserva come, nel passaggio d’epoca seguito al 1917, la legislazione russa si sia svuotata di ogni linguaggio elevato. I codici legali dell’Impero erano impregnati di poetica spirituale, mentre il diritto sovietico e post-sovietico è diventato strumento burocratico, privo di anima.
Il recente decreto statale sui “valori spirituali e morali tradizionali” rappresenta, per Malofeev, una svolta epocale: un varco aperto verso l’alto, un ritorno al lessico dell’eternità, che ridona dignità alla legge come custode del sacro.
La Tradizione come resistenza ontologica
La tradizione, secondo i relatori, non è conservatorismo. Non si tratta di ripetere forme morte o imitare i modelli del passato. La vera tradizione è il fuoco, non le ceneri. È un principio vivo, che pulsa attraverso le epoche senza identificarsi con nessuna di esse.
Padre Tkačev paragona la parabola del progresso alla frantumazione della roccia in polvere: l’uomo – da pietra viva – è stato polverizzato in atomi senza identità. La lotta per la Tradizione è allora lotta per la preservazione dell’umano, minacciato oggi da tecnologie disumanizzanti, manipolazioni genetiche, decostruzione della famiglia e dell’identità.
Malofeev aggiunge che questa battaglia non è religiosa in senso confessionale, ma riguarda l’essere umano nella sua essenza ontologica.
Tradizione e Stato: un nuovo paradigma politico
La tradizione non è un’appendice culturale, ma il centro generativo dell’ordine sociale. Se la politica moderna si occupa delle “foglie” – trasporti, sanità, economia – la politica tradizionale si prende cura delle radici. Solo così l’albero della civiltà può vivere.
In questo senso, la nuova politica dei valori tradizionali si configura come progetto integrale: unire cultura, istruzione, sicurezza, informazione e religione sotto l’egida dell’eterno.
Una vera sovranità spirituale, in cui lo Stato non è solo macchina amministrativa, ma organo dell’anima collettiva.
Etica dell’eternità
La riflessione conclusiva è affidata a una visione escatologica: la tradizione come apertura all’eterno. Non passato fossilizzato, ma fonte sempre viva. Non imitazione, ma attualizzazione.
Se vogliamo un futuro, dobbiamo attingere all’eternità. Se vogliamo trasformare l’uomo, dobbiamo prima preservarlo. Solo chi è radicato può elevarsi.
Nel mondo liquido e disgregato della modernità, questo discorso rappresenta un atto di insubordinazione.
Ma anche una promessa.
Diego Cinquegrana

The ABC of Traditional Values
Episode One: “Tradition”
Konstantin Valeryevich Malofeev
Alexander Gelyevich Dugin
Father Andrey Yuryevich Tkachov
«Tradition means digging and watering the roots—the leaves will take care of themselves».
—Father Andrey Yuryevich Tkachov
Tradition and Identity. Towards a Politics of the Eternal
Within the Russian television series Азбука традиционных ценностей (“The ABC of Traditional Values”), broadcast by Tsargrad, unfolds a discourse that is not merely cultural or moral, but deeply metaphysical and political.
The first episode—”Tradition”—features three central figures of Russia’s spiritual revival: the entrepreneur, philanthropist and patron of Russian Orthodox spiritual revival Konstantin Malofeev, the traditionalist thinker Alexander Dugin, and the Orthodox priest Father Andrey Tkachov.
What emerges is not a simple discussion on “values,” but the elaboration of a worldview. A Weltanschauung that challenges the modern paradigm and heralds a new age of struggle: the struggle for the eternal man.

Tradition vs Modernity: Two Competing Anthropologies
Alexander Dugin defines tradition as that which stands in opposition to modernity. The fundamental rupture lies in the very concept of time.
While modernity views history as linear progress—from “less” to “more”—tradition looks to the origin as the source of meaning. The beginning, the archè, carries more truth than the projected future.
This reversal of perspective outlines two anthropologies:
• The modern man: self-referential, technocratic, disconnected from transcendence, reduced to consumer;
• The traditional man: rooted in the eternal, tied to the divine, guardian of a dignity inscribed in creation.
As Father Tkachov reminds us: “Remember from where you have fallen, and repent” (Rev 2:5). Man’s path is not mechanical ascent, but memory and return.

The Death of the Eternal and the Sterility of Modern Language
Malofeev observes how, after 1917, Russian legislation lost all elevated language.
The legal codes of the Empire were rich with spiritual poetry, whereas Soviet and post-Soviet law became soulless bureaucratic instruments.
The recent state decree on “traditional spiritual and moral values” represents, for Malofeev, a turning point: an opening upward, a return to the lexicon of eternity, restoring dignity to law as custodian of the sacred.

Tradition as Ontological Resistance
Tradition, according to the speakers, is not conservatism. It is not about copying the past.
True tradition is fire, not ashes—a living principle that flows through epochs without being frozen in any one of them.
Father Tkachov likens modern progress to the disintegration of rock into dust: man—once a living stone—is now atomized, identity-less.
The fight for tradition is thus the fight to preserve the human, today threatened by dehumanizing technologies, genetic manipulation, and the dismantling of family and identity.
Malofeev adds that this battle is not confessional, but concerns the ontological essence of man.

Tradition and the State: A New Political Paradigm
Tradition is not a cultural ornament but the generative center of social order.
If modern politics deals with the “leaves” (transport, healthcare, economy), traditional politics tends to the roots. Only thus can the tree of civilization live.
In this sense, the new politics of traditional values forms an integral project: unifying culture, education, security, information, and religion under the banner of the eternal.
A true spiritual sovereignty, in which the State is not merely administrative machinery, but an organ of the collective soul.

Ethics of Eternity
The concluding reflection is eschatological: tradition as an opening to the eternal.
Not a fossilized past, but a living source. Not imitation, but actualization.
If we want a future, we must draw from eternity. If we want to transform man, we must first preserve him. Only those who are rooted may rise.
In the liquid, fragmented world of modernity, this message is an act of resistance.
But also a promise.
Diego Cinquegrana

«Là dove altri propongono opere io pretendo solamente di svelare il mio spirito. La vita è un bruciare di domande. Non concepisco un’opera staccata dalla vita». – Antonin Artaud.
Nel tempo nuovo che si apre — tra le ceneri ancora calde dell’arte contemporanea, come giustamente afferma Aleksey Guintovt — si fa strada una rivoluzione più silenziosa, ma più radicale: una rivoluzione interiore.
La distruzione dell’arte-mercato, delle sue gallerie, delle sue mostre-spettacolo, delle sue liturgie mondane per la borghesia globale, ha bisogno di martelli — ma non per colpire le opere, bensì per infrangere i loro altari d’oro. L’oggetto va liberato dalla sua funzione feticistica, restituito alla sua intensità originaria. Il gesto va riconsegnato alla sua fonte: atto puro, senza aspettativa né riproduzione. I musei vanno svuotati del loro potere d’incanto; le immagini, spogliate della loro aura sacrale, vanno attraversate, smascherate. È il cuore stesso dell’artista che si sottrae alla complicità. È il gesto che si ritrae dalla ripetizione. È l’opera che rifiuta la vetrina, e torna a essere soglia. È la fine della forma come unico codice di apparizione. L’arte può ancora mostrarsi, ma solo se diserta il mercato. Il martello, qui, non è l’arma dell’iconoclasta, ma dello scultore: colui che colpisce per liberare.
L’arte è un sacrificio. E quando il sacrificio si compie, nulla resta sull’altare. Né oro, né fotografie. Solo il fumo, che sale in alto, oltre i segni, oltre le lingue, oltre il tempo.
«Scorre di latte il suolo
scorre di vino, scorre
del nettare delle api,
incenso di Siria
è il vapore che sale.»
(Euripide, Baccanti 141–145)
Il gesto artistico non produce oggetti: brucia l’oggetto stesso, come Dioniso nel grembo di Sèmele, tra fiamme e latte celeste. E che sia anche l’artista a bruciare, sé stesso, la sua vanità, la sua firma. Non per nichilismo, ma per verità. L’arte non ha autori: ha officianti. Non produce carriere: trasforma mondi.
L’arte multipolare nasce nei punti di torsione dell’anima — non è né orientale né occidentale: è verticale. E nella sua verticalità, essa è arte dell’istante: atto che si compie e subito si dissolve. Il gesto non si conserva e l’opera non è il quadro, né la scultura, né l’installazione: è la fenditura, è il varco, è l’apertura.
Se Dioniso è fuoco che brucia il tempo, Atena è la chiarezza che lo trafigge. Dove l’ebbrezza dissolve i confini, Atena li incide con precisione sovrana. Come scrive Walter Otto, ella non è musa del sogno, ma della pienezza dell’azione lucida e compiuta: presenza che guida, luce che consiglia, volontà che non vacilla.
Nell’arte dell’istante, il caos si condensa in forma. Il gesto non è più solo apertura, ma compimento: là dove l’abisso si manifesta, Atena colpisce — e la forma trova compimento. L’arte non sceglie tra Dioniso e Atena, tra il fuoco e la forma: li attraversa entrambi. Come in un rituale, in cui il delirio divino si concentra in un colpo esatto, in un istante perfetto che brucia e si dissolve. L’istante è il colpo che sigilla il sacrificio.
Diciamolo senza infingimenti: il sistema dell’arte è un congegno truccato, una macchina per simulare profondità e vendere oracoli contraffatti. Artisti che mimano il ruolo dello sciamano mentre firmano contratti dorati. Galleristi che predicano rivoluzioni estetiche e intanto impacchettano il vuoto in cornici da investimento. Curatori che si atteggiano a terapeuti della collettività, ma il loro “discorso” è solo il foglietto illustrativo del trend di stagione.
Il mercato non è un incidente dell’arte: è la sua mutazione genetica. L’opera non nasce più dal grembo del sacro, ma dal ventre sterile del sistema economico. Non ha più un destinatario reale, ma un consumatore astratto. Si è spezzato il legame tra arte e vita, tra artista e comunità, tra gesto e mondo. È rimasta una filiera di ruoli: critico, curatore, collezionista, gallerista — tutti orbitano attorno a un nucleo ormai vuoto.
Contro questo vuoto, l’artista autentico si fa capro espiatorio. Come scrive Antonin Artaud, l’arte ha il dovere di calamitare su di sé «le collere erranti dell’epoca» e di trasformarle. Ogni epoca ha le sue ombre. L’artista non le evita: le attraversa. L’artista che si sottrae a questo compito non è un artista, ma un decoratore del nulla.
Il materialismo della nostra epoca è un nichilismo mascherato da razionalismo. Disprezza ciò che non può dominare, e avvelena ciò che non capisce. Solo un’arte che si carica di questa ombra collettiva può salvarla: trasformare le angosce del tempo in forma viva, restituire alla collettività la sua dignità spezzata.
Il sistema ha imparato a simulare la rivoluzione. Ha fatto del nuovo una formula, del rischio un brand. Le avanguardie, nate per rovesciare il mondo, sono state incapsulate e trasformate in stile.
Il mercato ha compreso che la miglior forma di controllo è l’estetizzazione del dissenso: ogni rottura viene integrata, ogni gesto radicale rivestito d’oro.
Finché l’arte sarà concepita come prodotto firmato, come investimento, come identità da brandizzare, non ci sarà rivoluzione. Solo quando l’opera tornerà ad essere un gesto senza ritorno, un dono che non si conserva, un passaggio che non si compra, allora il martello avrà colpito nel punto giusto.
Dopo il fuoco, la forma nuova non sorge da sé: ha bisogno di un gesto interiore, silenzioso e assoluto, che accompagni la rivoluzione esteriore e le dia profondità. La forza che abbatte le statue della postmodernità non basta, se non è alimentata da un’opera interiore che scolpisce nell’invisibile le nuove architetture del senso.
La rivoluzione politica, estetica, storica, non genera nuovi simboli se l’artista non torna ad essere un ponte — tra il cielo e la materia, tra il popolo e il mistero. La rivoluzione esteriore dell’arte ha bisogno della sua fiamma interiore: e questa fiamma non è altro che l’atto sacrificale che sottrae il gesto alla serialità e lo restituisce all’istante eterno. – Diego Cinquegrana

After the Fire – For an Inner Revolution of Art
“Where others propose works, I only claim to unveil my spirit. Life is a burning of questions. I cannot conceive a work detached from life.” – Antonin Artaud.
In the new time that unfolds — amid the still warm ashes of contemporary art, as Aleksey Guintovt rightly states — a quieter but more radical revolution takes shape: an inner revolution.
The destruction of the art-market, its galleries, its spectacle-exhibitions, its worldly liturgies for the global bourgeoisie requires hammers — but not to strike the works, rather to shatter their golden altars. The object must be freed from its fetishistic function, returned to its original intensity. The gesture must be returned to its source: pure act, without expectation or reproduction. Museums must be emptied of their enchanting power; images, stripped of their sacred aura, must be crossed through, unmasked. It is the artist’s very heart withdrawing from complicity. It is the gesture retreating from repetition. It is the work refusing the showcase, returning to being a threshold. It is the end of form as the sole code of appearance. Art can still show itself — but only if it deserts the market. Here, the hammer is not the iconoclast’s weapon, but the sculptor’s: one who strikes to liberate.
Art is a sacrifice. And when the sacrifice is fulfilled, nothing remains on the altar. Neither gold nor photographs. Only smoke, rising high, beyond signs, beyond languages, beyond time.
“Milk flows on the ground
wine flows, flows
from the nectar of bees,
incense of Syria
is the steam that rises.”
(Euripides, Bacchae 141–145)
The artistic gesture does not produce objects: it burns the object itself, like Dionysus in Semele’s womb, amid flames and celestial milk. And the artist too must burn: oneself, vanity, signature. Not out of nihilism, but out of truth. Art has no authors: it has officiants. It produces no careers: it transforms worlds.
Multipolar art is born at the soul’s turning points — it is neither Eastern nor Western: it is vertical. And in its verticality, it is art of the instant: an act that happens and immediately dissolves. The gesture is not preserved and the work is neither painting, nor sculpture, nor installation: it is the fissure, the gap, the opening.
If Dionysus is fire that burns time, Athena is the clarity that pierces it. Where intoxication dissolves boundaries, Athena carves them with sovereign precision. As Walter Otto writes, she is not the muse of dreams, but of the fullness of lucid, completed action: a presence that guides, a light that advises, a will that does not waver.
In the art of the instant, chaos condenses into form. The gesture is no longer just an opening, but a completion: where the abyss manifests, Athena strikes — and form is fulfilled. Art does not choose between Dionysus and Athena, between fire and form: it crosses both. Like in a ritual, where divine delirium concentrates in an exact blow, in a perfect instant that burns and dissolves. The instant is the strike that seals the sacrifice.
Let’s say it without evasions: the art system is a rigged device, a machine to simulate depth and sell counterfeit oracles. Artists miming shamans while signing golden contracts. Gallerists preaching aesthetic revolutions while packaging emptiness in investment frames. Curators posing as therapists of the collective, but their “discourse” is just the leaflet of the seasonal trend.
The market is not an accident of art: it is its genetic mutation. The work no longer springs from the womb of the sacred, but from the sterile belly of the economic system. It has no real recipient anymore, only an abstract consumer. The bond between art and life, artist and community, gesture and world is broken. What remains is a chain of roles: critic, curator, collector, gallerist — all orbiting around an empty core.
Against this void, the authentic artist becomes a scapegoat. As Antonin Artaud wrote, art has the duty to attract upon itself “the wandering angers of the era” and transform them. Every age has its shadows. The artist does not avoid them: the artist crosses them. An artist who shirks this task is not an artist, but a decorator of nothingness.
The materialism of our age is nihilism disguised as rationalism. It despises what it cannot dominate and poisons what it does not understand. Only an art that takes on this collective shadow can save it: transform the anxieties of the time into living form, restore to the collective its broken dignity.
The system has learned to simulate revolution. It has made novelty a formula, risk a brand. The avant-gardes, born to overturn the world, have been encapsulated and turned into style.
The market understood that the best form of control is the aestheticization of dissent: every break is integrated, every radical gesture gilded.
As long as art is conceived as a signed product, as an investment, as an identity to be branded, there will be no revolution. Only when the work returns to being a gesture without return, a gift that cannot be conserved, a passage that cannot be bought, then the hammer will have struck the right point.
After the fire, the new form does not arise by itself: it needs an inner, silent, absolute gesture that accompanies the outer revolution and gives it depth. The force that topples the statues of postmodernity is not enough if it is not fueled by an inner work that carves in the invisible the new architectures of meaning.
Political, aesthetic, historical revolution do not generate new symbols if the artist does not return to being a bridge — between sky and matter, between people and mystery. The outer revolution of art needs its inner flame: and this flame is nothing but the sacrificial act that withdraws the gesture from seriality and returns it to the eternal instant.
— Diego Cinquegrana

«È questo Lògos che ancora una volta ci appare come l’unica potenza capace di penetrare nella profondità della natura umana e di rimuoverne il male: Esso è la forza originaria, Michele l’esecutore, il Graal il simbolo. Raggiunto il vertice inferiore della decadenza materialistica, è questo il tempo adatto per evocare la forza della massima altezza spirituale: è dunque l’ora della risalita». – Massimo Scaligero.

Mosca. Presso il Media Center del Parco Zarjad’e, si è conclusa l’esposizione E vidi un nuovo cielo e una nuova terra, promossa dal progetto culturale Stile Russo e curata da Anton Belikov e Svetlana Cheprova. L’esposizione, minuziosamente curata tanto nell’allestimento quanto nei contenuti, si è proposta come un’esperienza artistica, spirituale e trasformativa.
Senza retorica né celebrazione, E vidi un nuovo cielo e una nuova terra ha affrontato la questione del conflitto armato non nei suoi aspetti tattici, ma nella sua dimensione umana, metafisica e artistica. Il punto di partenza è semplice e radicale: la guerra cambia l’uomo, lo costringe a guardarsi dentro, a confrontarsi con la propria essenza, a trasformarsi.
Come afferma il testo di accompagnamento all’opera Ascesa di Dmitrij Zarva (2025), polittico pittorico di grande intensità simbolica:
«La guerra espone l’essenza umana, mostrando a una persona chi è, cosa è. [...] Un guerriero combatte non solo con un nemico fisico, ma intraprende una battaglia spirituale con un nemico invisibile».
L’immagine della scala di Giacobbe – evocata attraverso le parole di San Girolamo – diventa così emblema della fatica interiore dell’ascesi, del cammino verticale verso la gloria celeste.
Uno degli elementi più potenti della mostra è il lavoro con materiali bellici reali: acciaio, giubbotti antiproiettile, piastre corazzate.
Al centro della mostra si erge come asse simbolico il progetto Acciaio: una serie di opere create su piastre d’acciaio ricavate da giubbotti antiproiettile. L’acciaio – materia di guerra – diventa qui materia dell’arte e della trascendenza, in un processo di vera e propria alchimia simbolica.
Corazza e protezione, il metallo si trasforma in icona sacra, custodendo nella sua superficie graffiata il peso dell’esperienza e l’impronta della lotta. Ierurgia che plasma il dolore in significato, la difesa in creazione, la guerra in consapevolezza.
Tra le opere più intense, Al corpo di Nikolay Ryndin, in cui l’immagine del grande martire Panteleimon viene forata nella piastra come se la luce stessa l’avesse scolpita, ricordando che solo la fede, la misericordia e il coraggio sono armature invincibili.
«Questa non è l’armatura dell’orgoglio e dell’amor proprio» – spiega l’artista – «ma l’armatura della virtù e della determinazione: uno scudo spirituale e pio, che si oppone a ciò che è associato alle forze materiali della distruzione e dell’autodistruzione».
Come ha affermato la curatrice Svetlana Cheprova:
«È una comprensione della storia attraverso la materia. E improvvisamente, immagini cristiane, riferimenti all’arte popolare, calligrafia, proverbi e detti hanno iniziato ad apparire spontaneamente».
In questa trasformazione si riflette l’immagine archetipica del Cavaliere al bivio di Viktor Vasnecov: il momento della scelta radicale tra la via facile e la via eroica. I percorsi sereni, coperti ormai di muschio, non esistono più: resta solo la via della verità, quella che passa attraverso il sacrificio e conduce, forse, alla gloria. Così è il cammino del soldato-artista, che affronta non solo il conflitto esterno ma anche il nemico invisibile di cui parlava San Girolamo, salendo la scala spirituale tra fatica, sudore e sangue. La vera ascesa – come suggerisce il polittico in mostra – è quella dell’anima verso la perfezione.
Non sono mancate le riflessioni sul ruolo dell’arte nel tempo presente. Come è stato sottolineato dai critici, l’attuale conflitto non ha ancora trovato una rappresentazione artistica all’altezza del suo impatto. Molti artisti hanno abbandonato il Paese, altri si rifiutano di confrontarsi col tema, mentre una nuova generazione di autori – spesso soldati o veterani – cerca un linguaggio autentico, che non sia né propaganda né reazione.
La mostra E vidi un nuovo cielo e una nuova terra rappresenta una delle rare occasioni in cui questo tentativo riesce:
«Non parla di carri armati ed esplosioni, ma di una persona in guerra e della traiettoria che intraprende sulla via del ritorno».
È una “Z-art” radicale e anti-occidentale, non gridata ma pensata, dove l’immaginario della trincea – fisica e spirituale – incontra la teologia, l’icona, la filosofia, la poesia e l’arte.
Particolare risalto è stato dato alla testimonianza della giovane scrittrice del Donbass Faina Savenkova, autrice di Una vita a metà – Guerra. La sua storia, presentata attraverso il documentario Non tacere! La storia di Faina Savenkova girato dal documentarista di guerra Klim Poplavsky, racconta con candore e lucidità l’esperienza di chi è cresciuto in guerra:
«Le vite dei figli della guerra non sono storie di disperazione, sono storie di speranza, anche se piene di tragedie».
All’interno dello spazio espositivo, una sezione intera è stata dedicata alla figura di Darya Dugina (1992–2022), filosofa, poetessa, giornalista e attivista, assassinata in un attentato di matrice globalista il 20 agosto 2022.
Darya Dugina — Platonova — è stata molto più che un’intellettuale: un’anima consacrata, una martire del mondo multipolare, una guida spirituale per i giovani e per chi cerca nel pensiero la salvezza e nell’azione il cambiamento. Nel suo breve ma luminoso cammino, ha unito filosofia, azione politica, arte e militanza. Con la sua morte, ha oltrepassato la soglia tra il tempo e il mito, tra la cronaca e la leggenda. Oggi è parte della costellazione invisibile che guida i cercatori e veglia sugli intrepidi.
L’installazione che ne celebra la memoria assume la forma di un’abside: al centro della parete campeggia la scritta ПОКОЛЕНИЯ – Generazioni. Su tre piedistalli rossi si trovano: il busto del padre Aleksandr Dugin, quello di Darya, e al centro un terzo piedistallo con l’Ordine del Coraggio, conferitole postumo e la sua fascetta nera, simbolo del kokoshnik russo.
Le due figure si fronteggiano in uno sguardo immobile, eterno, interrotto solo dalla presenza sacrificale dell’oggetto simbolico: il terzo piedistallo, vuoto di corpo ma colmo di significati. L’Ordine del Coraggio non è un semplice riconoscimento istituzionale: nella composizione assume il ruolo di sigillo del sacrificio, mentre la fascetta-kokoshnik diventa la corona simbolica che consacra la memoria della martire.
Il contrasto tra il bianco immacolato dell’abside, il rosso vivo dei piedistalli e la severa monocromia dei busti scolpiti produce un effetto ascetico e ieratico. Il rosso richiama il sangue versato, ma anche la dignità imperiale e il fuoco dello spirito. Il bianco, come in ogni tradizione mistica, è il colore della trasfigurazione, della luce interiore, della soglia tra visibile e invisibile.
Questa installazione non è solo un omaggio artistico. È una ritualizzazione politica ed esistenziale: la messa in scena tridimensionale del legame tra generazioni, tra sangue e pensiero, tra filosofia e sacrificio.
In Darya Dugina si riassume la figura della giovane eroina iniziatica: colei che prende su di sé il fardello della philosophia perennis, della militanza, e lo trasmuta in azione sacra. La sua immagine scultorea, priva di corpo e sospesa, indica che è già altrove, nel pantheon invisibile delle anime consacrate. Ma quel ritratto, fermo nel tempo, continua a parlare a chi è rimasto.
In questo spazio carico di silenzio, l’installazione stessa sembra agire come uno strumento rituale, orientato verso l’alto. Come in un antico cosmogramma, tutto converge verso un punto immateriale, dove la memoria individuale si fonde con un ordine superiore.
Qui si fa strada, per risonanza simbolica, un passo di Proclo, filosofo tra i più amati da Darya, che nel De Sacrificio scrive:
«Non è forse questa la ragione per cui il girasole si muove in sintonia con il sole e il selenotrópion in sintonia con la luna? Se uno fosse capace di percepire con l’udito l’attrito che crea con l’atmosfera nel suo volgersi in senso circolare, si renderebbe conto che esso con questo suono offre al Re una sorta di inno».
Questa rivoluzione, questa tensione armonica verso il centro, sembra incarnarsi proprio nella figura di Darya: una giovane donna che ha trasformato pensiero in azione, sacrificio in visione, e che ora — come quei fiori sacri che seguono la luce — offre al Re il proprio inno segreto.
Così Darya non è solo memoria: è fuoco segreto che arde nella materia stessa dell’opera. Come l’acciaio temprato dal fuoco, ha attraversato la prova, è stata forgiata, purificata, consacrata. Il suo volto scolpito non appartiene al passato, ma al futuro che incalza. In lei, lo spirito e il metallo si fondono in un’unica sostanza: la forza invisibile che tiene insieme i mondi, che trasforma la morte in offerta e l’offerta in forma.
In un’epoca di disgregazione, dove tutto si consuma e si dissolve, il pensiero di Darya è un’arma limpida e incorruttibile: acciaio alchemico che guida e difende; ferisce e consacra.
È in questo acciaio trasfigurato che si compie l’opera ultima: la materia della guerra diventa veicolo di trasformazione, la superficie graffiata diventa specchio del Destino. E nel cuore di quel metallo, scolpito dalla luce, resta impressa una certezza: che nulla è invano, se è offerto al cielo. –– Diego Cinquegrana

ALCHEMY OF STEEL
Art, Memory and Spirituality in a Time of War
«It is this Logos that once again appears to us as the only power capable of penetrating the depths of human nature and removing its evil: It is the primordial force, Michael the executor, the Grail the symbol. Having reached the lowest point of materialistic decay, this is the right time to invoke the force of the highest spiritual realm: it is therefore the hour of ascension». – Massimo Scaligero
Moscow. At the Media Center of Zaryadye Park, the exhibition And I Saw a New Heaven and a New Earth has come to a close, promoted by the cultural project Russian Style and curated by Anton Belikov and Svetlana Cheprova. Carefully curated in both setup and content, the exhibition presented itself as an artistic, spiritual, and transformative experience.
Without rhetoric or glorification, And I Saw a New Heaven and a New Earth addressed the issue of armed conflict not in its tactical aspects but in its human, metaphysical, and artistic dimensions. Its premise is simple and radical: war changes a person. It forces one to look within, to confront one’s essence, to transform.
As stated in the accompanying text to Dmitry Zarva’s Ascent (2025), a polyptych painting of great symbolic intensity:
“War exposes human essence, showing a person who they are, what they are. [...] A warrior fights not only a physical enemy, but engages in a spiritual battle against an invisible one.”
The image of Jacob’s Ladder – evoked through the words of Saint Jerome – thus becomes a symbol of inner struggle, of the vertical journey toward celestial glory.
One of the most powerful elements of the exhibition is the use of real wartime materials: steel, bulletproof vests, ballistic plates.
At the heart of the exhibition stands the Steel project as its symbolic axis: a series of works created on steel plates salvaged from bulletproof vests. Steel – the matter of war – here becomes the substance of art and transcendence, in a process of true symbolic alchemy.
Armor and protection, the metal is transfigured into a sacred icon, bearing on its scratched surface the weight of experience and the imprint of struggle. A hierurgy that molds pain into meaning, defense into creation, war into awareness.
Among the most striking works is To the Body by Nikolay Ryndin, where the image of the Great Martyr Panteleimon is pierced into the plate as if light itself had sculpted it – reminding us that only faith, mercy, and courage are invincible armors.
“This is not the armor of pride and self-love,” explains the artist, “but the armor of virtue and resolve: a spiritual and pious shield opposing all that is linked to the forces of destruction and self-destruction.”
As curator Svetlana Cheprova remarked:
“It’s a way of understanding history through matter. And suddenly, Christian imagery, references to folk art, calligraphy, proverbs, and sayings began to appear spontaneously.”
This transformation echoes the archetypal image of The Knight at the Crossroads by Viktor Vasnetsov: the moment of radical choice between the easy path and the heroic one. The peaceful roads, now overgrown with moss, no longer exist: only the path of truth remains, the one that leads through sacrifice – perhaps – to glory. This is the path of the soldier-artist, who faces not only the external conflict but also the invisible enemy Saint Jerome spoke of, climbing the spiritual ladder through toil, sweat, and blood. The true ascent – as the polyptych suggests – is that of the soul toward perfection.
Reflections on the role of art in our time were not lacking. As critics noted, the current conflict has yet to find artistic representation commensurate with its impact. Many artists have left the country, others refuse to engage with the theme, while a new generation – often soldiers or veterans – seeks an authentic language, neither propagandistic nor reactive.
And I Saw a New Heaven and a New Earth represents one of the rare occasions in which this attempt succeeds:
“It doesn’t speak of tanks and explosions, but of a person at war and the path they take toward return.”
This is radical, anti-Western “Z-art”, not shouted but meditated, where the imagery of the trench – both physical and spiritual – meets theology, iconography, philosophy, poetry, and art.
Particular emphasis was given to the testimony of young Donbass writer Faina Savenkova, author of A Life in Half – War. Her story, presented through the documentary Do Not Be Silent! The Story of Faina Savenkova by war documentarian Klim Poplavsky, recounts with candor and clarity the experience of growing up in war:
“The lives of the children of war are not stories of despair, they are stories of hope – though filled with tragedy.”
A whole section of the exhibition space was dedicated to Darya Dugina (1992–2022), philosopher, poet, journalist, and activist, assassinated in a globalist-motivated attack on August 20, 2022.
Darya Dugina — Platonova — was much more than an intellectual: she was a consecrated soul, a martyr of the multipolar world, a spiritual guide for the youth and for those who seek salvation in thought and change in action. In her brief but radiant journey, she fused philosophy, political activism, art, and militancy. With her death, she crossed the threshold between time and myth, between history and legend. Today she is part of the invisible constellation that guides seekers and watches over the brave.
The installation commemorating her takes the form of an apse: on the central wall appears the word ПОКОЛЕНИЯ – Generations. On three red pedestals rest: the bust of her father Aleksandr Dugin, that of Darya, and in the center a third pedestal bearing the Order of Courage, awarded posthumously, and her black ribbon – symbol of the Russian kokoshnik.
The two figures face each other in a frozen, eternal gaze, interrupted only by the sacrificial presence of the symbolic object: the third pedestal, empty of body but full of meaning. The Order of Courage is not a mere institutional recognition: in the composition it acts as a seal of sacrifice, while the kokoshnik-ribbon becomes the symbolic crown consecrating the martyr’s memory.
The contrast between the immaculate white of the apse, the vivid red of the pedestals, and the austere monochrome of the sculpted busts produces an ascetic and hieratic effect. Red evokes the blood shed, but also imperial dignity and the fire of spirit. White, as in every mystical tradition, is the color of transfiguration, of inner light, of the threshold between visible and invisible.
This installation is not merely an artistic homage. It is a political and existential ritualization: a three-dimensional staging of the bond between generations, between blood and thought, between philosophy and sacrifice.
In Darya Dugina, the figure of the young initiatic heroine is embodied: she who takes upon herself the burden of the philosophia perennis, of militancy, and transmutes it into sacred action. Her sculpted image, bodiless and suspended, signifies that she is already elsewhere, in the invisible pantheon of consecrated souls. But that portrait, fixed in time, continues to speak to those who remain.
In this space heavy with silence, the installation itself seems to function as a ritual instrument, oriented upward. Like an ancient cosmogram, everything converges toward an immaterial point, where individual memory merges with a higher order.
Here, through symbolic resonance, a passage from Proclus – one of Darya’s most beloved philosophers – comes to mind. In On Sacrifice, he writes:
“Isn’t this why the sunflower turns in harmony with the sun and the selenotropion with the moon? If one could hear the friction it causes in the air as it turns in a circular motion, one would realize that with this sound it offers a sort of hymn to the King.”
This revolution, this harmonic tension toward the center, seems to be embodied in the figure of Darya herself: a young woman who transformed thought into action, sacrifice into vision, and who now – like those sacred flowers that follow the light – offers her secret hymn to the King.
Thus Darya is not merely a memory: she is the secret fire burning within the very matter of the work. Like steel tempered by flame, she has passed through the trial, has been forged, purified, consecrated. Her sculpted face does not belong to the past, but to the oncoming future. In her, spirit and metal are fused into one substance: the invisible force that binds worlds together, transforming death into offering, and offering into form.
In an age of disintegration, where all things decay and dissolve, Darya’s thought is a clear and incorruptible weapon: alchemical steel that guides and defends, wounds and consecrates.
It is in this transfigured steel that the ultimate work is fulfilled: the matter of war becomes a vehicle of transformation, the scratched surface becomes a mirror of Destiny. And in the heart of that metal, sculpted by light, one certainty remains: that nothing is in vain, if it is offered to the heavens.
— Diego Cinquegrana

The Sun and the Sword: Darya Dugina and the Solar Fire of Gumilyov
In the burning heart of Darya Dugina, alongside the great philosophers of Tradition and the poets of the Absolute, burned a restless star: Nikolaj Stepanovič Gumilëv. More than a poet, he was for Darya the archetype of the intellectual-warrior, the solar subject who rejects conformity and bursts into time with the force of a god armed with light. She called him “solar, revolutionary, passionate, not identical to what surrounds him.” That’s how she spoke of him while walking through Petrograd with her friend Pavel Tugarinov, on days when the sky itself seemed to await a sign.
In her diary, Darya saw in Gumilëv a daylight passion, a burning intensity that dissipates the mists of decadence like a lightning bolt in the night, like a sun that burns the present to open a breach into the future. That sun, she wrote, “has the mad face of a god advancing through space”—a radiant Dionysus, an Apollo who does not contemplate but acts, an Athena armed with sovereign intelligence. In him, she recognized the awakening fire, the primordial vibration that breaks the chains of the twilight age.
And in that solar and furious image, in that writing that vibrates like a sword, Darya saw herself. Gumilyov was the poetic sign of her own vocation: to live thought as battle, art as fire, the word as both weapon and offering.
In Evola’s initiatory language, the awakening of the inner fire occurs when the two currents—lunar and solar—are united: then kundalinī rises, shattering the deadly balance of the ordinary through a sudden rupture of level. This is the mark of the new revolutionary human: a higher synthesis of contemplation and assault, of poetry and struggle. This is the vision Darya embodied, and it is in this blazing encounter between spirit and fire that her figure is set aflame with meaning.
In the name of Gumilëv, Darya sketched the face of the revolution to come: not social, not technical, but solar. A revolution that demands the sacrifice of the heart, the clarity of the intellect, and the fierceness of the soul. A revolution that walks in the blinding light of those who dared to look at the Sun. — Diego Cinquegrana

«Gli eventi annunciano, attraverso nuove lotte, l’avvento di un’epoca restauratrice dei valori superiori dell’umanità: occorrono, per vincere, uomini nuovi, i quali siano capaci di ristabilire l’equilibrio che necessita per opporsi alla stessa forza del fato: essi devono perciò essere di una tenacia metallica, intuitivi, spirituali predeterminatori, materiati di indomabile imperturbabilità. Uomini di simile tempra potranno insegnare al mondo che non soltanto sotto l’aspetto teorico si può tenere testa alla “crisi del mondo moderno”, ma che anzi questa locuzione, esatta nei termini, cessa di avere significato in un ambito di resurrezione di forze che diano luogo all’azione: azione non relativa a questo o a quell’interesse particolare, ma che esprima una superiore necessità dello Spirito». – Massimo Scaligero.

«Il mortale che ha avvicinato il Fuoco avrà la Luce dal Dio» – così parlano gli Oracoli, e Proclo, il più divino tra i neoplatonici, vi riconosce il quarto grado della preghiera perfetta: l’ἐμπέλασις, l’avvicinamento diretto, la partecipazione ardente alla Luce.
Nel luogo in cui Darya Aleksandrovna Dugina ha lasciato la scena del mondo, una croce votiva si è ora levata come asse del cosmo, come richiamo a quella preghiera autentica che non è parola ma unione, non richiesta ma ritorno.
A Zakharovo, squarciando il velo tra i mondi, si è celebrato un requiem ortodosso: canto del “trisagio”, eco del divino, apertura di una soglia. La croce, voluta dal giornalista Vladimir Klenin e installata grazie all’impegno di amici e testimoni, è frutto di una ricerca che ha superato ostacoli, incertezze, e alla fine ha trovato la propria forma.
Darya Dugina – giornalista, politologa, filosofa, poetessa – fu figura solare e guerriera, martire metafisica di un’Idea che osava sfidare i poteri della dissoluzione. Tornava dal festival Tradizione la sera del 20 agosto 2022, quando venne assassinata. Aveva visitato Donetsk, Mariupol’, Azovstal: non come semplice reporter, ma come testimone vivente di un’altra visione del mondo. Il libro Zet, cui contribuì, raccoglie le voci dei combattenti, dei volontari, dei sopravvissuti – e dentro quelle voci vibra la sua stessa presenza, la sua intelligenza infuocata, la sua compassione attiva.
Oggi, presso la croce votiva, parenti, amici, lettori, discepoli e viandanti si raccolgono in silenzio. Per alcuni è un luogo del ricordo, per altri una scuola di coraggio, per altri ancora un tempio del ritorno. Vladimir Klenin ha raccontato come l’idea sia nata quasi per caso, ma nulla è davvero casuale quando il fuoco dell’anima guida i gesti. Quella croce è albero centrale, è Asse del Mondo, è Albero della Vita tra i due alberi del bene e del male, secondo la lettura guénoniana: sta nel mezzo, come il Cristo tra i due ladroni, come il cuore tra Misericordia e Rigore. In essa si concentra la tensione verticale, la nostalgia del divino, la chiamata all’unità.
Secondo Proclo, la preghiera perfetta culmina nell’ἕνωσις, l’unione: «che fissa l’uno dell’anima nell’uno degli Dei e rende un’unica cosa la nostra attività e quella degli Dei». Darya ha vissuto come chi tende alla vetta, come chi prepara l’anima alla discesa della Luce. La croce non è un tributo sentimentale, ma un punto ontologico, un simbolo attivo che unisce il mondo sensibile all’intelligibile, la morte alla vita vera.
Un monumento ufficiale verrà presto inaugurato nel parco di Zakharovo, e sarà dedicato non solo a lei, ma a tutti i giornalisti caduti nell’adempimento del loro dovere. Ma la croce è già ora il primo sigillo sacro, il luogo in cui la presenza si rinnova e la fede si fa forma. Essa non ricorda un’assenza, ma indica una via, quella “stretta e alta” che, sola, riconduce all’Uno.
Nel silenzio di Zakharovo, tra gli alberi antichi, la croce sta. Ma non è il legno che commuove: è la verticalità che chiama, la Luce che si fa sentiero, la preghiera che si fa destino.
Diego Cinquegrana

THE PRAYER AND THE CROSS
Zakharovo’s Requiem for Darya Dugina
“Through new struggles, events announce the coming of an age that will restore the higher values of humanity. To prevail, it requires new men—men capable of reestablishing the balance necessary to confront even the force of fate itself. They must be of metallic tenacity, intuitive, spiritually prophetic, forged with indomitable composure. Such men will teach the world that not only in theory can one withstand the ‘crisis of the modern world,’ but that this expression—though accurate—ceases to have meaning when faced with the resurrection of forces that give rise to action: not action tied to particular interests, but one that expresses a higher necessity of the Spirit.”
— Massimo Scaligero
“The mortal who has approached the Fire shall receive the Light from the God.”
So speak the Oracles, and Proclus, the most divine of the Neoplatonists, recognizes in these words the fourth degree of perfect prayer: ἐμπέλασις — direct approach, fiery participation in the Light.
At the very site where Darya Aleksandrovna Dugina left the stage of this world, a votive cross now rises — as the Axis of the Cosmos, as a call to that authentic prayer which is not speech but union, not petition but return.
In Zakharovo, tearing the veil between worlds, an Orthodox requiem was celebrated: the trisagion chant, echo of the Divine, opening of a threshold. The cross, initiated by journalist Vladimir Klenin and realized thanks to the commitment of friends and witnesses, is the fruit of a search that overcame obstacles and uncertainties, eventually finding its destined form.
Darya Dugina — journalist, political scientist, philosopher, poet — was a solar and warrior figure, a metaphysical martyr of an Idea that dared to defy the powers of dissolution. On the evening of August 20, 2022, she was returning from the Tradition festival when she was assassinated. She had visited Donetsk, Mariupol, Azovstal — not as a mere reporter, but as a living witness of another vision of the world. The book Zet, to which she contributed, collects the voices of fighters, volunteers, survivors — and within those voices vibrates her own presence, her fiery intelligence, her active compassion.
Today, around the votive cross, relatives, friends, readers, disciples, and travelers gather in silence. For some, it is a place of remembrance; for others, a school of courage; for others still, a temple of return. Klenin recounts how the idea came almost by chance — but nothing is truly accidental when the fire of the soul guides one’s gestures.
That cross is the central tree, the Axis Mundi, the Tree of Life among the two trees of good and evil, as Guénon interprets: standing in the center, like Christ between the two thieves, like the heart between Mercy and Severity. In it is concentrated the vertical tension, the nostalgia for the Divine, the call to unity.
According to Proclus, perfect prayer culminates in ἕνωσις, union: “which fixes the one of the soul in the One of the Gods, making our activity and that of the Gods one and the same.”
Darya lived as one who strives for the summit, as one who prepares the soul for the descent of Light.
The cross is not a sentimental tribute, but an ontological point, an active symbol that unites the sensible world with the intelligible, death with true life.
A monument will soon be inaugurated in Zakharovo Park, dedicated not only to her but to all journalists who fell in the line of duty. But the cross already stands as the first sacred seal, the place where presence is renewed, where faith becomes form. It does not recall an absence, but indicates a way — the narrow and high path that alone leads back to the One.
In the silence of Zakharovo, among ancient trees, the cross stands. But it is not the wood that moves:
It is the verticality that calls, the Light that becomes path, the prayer that becomes destiny.
Diego Cinquegrana

Where the Star Ascended
The Cross of Zakharovo and the Memorial Sculpture for Darya Platonova Dugina
“Darya is a brilliant intellectual and a courageous person. She was always at war—the kind fought not with weapons, but with words. A thought can be more dangerous than a bullet or a grenade. The enemies who took her life with cynicism and cruelty knew this well.” – Andrei Ivanov
In the park of Zakharovo, among ancient trees and consecrated silence, an Orthodox cross now rises at the spot where the young Darya Aleksandrovna Dugina departed from the stage of this world. It is not merely a commemorative gesture: it is a theophanic sign, a ritual act that transfigures the place into a threshold, turning space into hierophany.
It is not an “end,” but a vertical return—the re-emergence of the soul from what is composite to what is simple, from sensory dispersion to intelligible concentration. As Proclus teaches in his commentary on the Timaeus, the impure cannot touch the pure, and authentic prayer is the union of secondary realities with the primary ones. Thus, Darya’s sacrifice is the flame that purifies and reunites. Only those who live according to virtue may ascend, “for it is not permitted to converse with Being if one is associated with non-being, nor is it possible to unite with the One if one lives in common with the crowd.” Therefore, the cross does not mark a grave but opens an initiatic path—the path of return, of reconnection, of participation in the Divine.
The ceremony, officiated by Archpriest Dionisy Kazantsev, took place in the presence of friends, authorities, and silent witnesses of light. It was not a homily of words, but a sacred action: an ontological recognition, a gesture of restoration to the realm of the pure, the elect, the watchers. “A thought can be more dangerous than a bullet,” recalled Andrei Ivanov, head of the Odintsovo urban district, outlining the figure of a young woman who fought for the Idea with the grace of philosophy and the boldness of fidelity.
Darya Dugina—politologist, philosopher, journalist, and poet—was one of the highest voices of Tradition in our twilight age. Her death, which occurred tragically on August 20, 2022, was not a mere accident, but a sacrificial act, a tear in the opaque fabric of immanence. An explosive device was detonated in the car she was driving on the Mozhaysk highway, near the village of Bolshie Vyazyomy, just a few kilometers from Zakharovo. She was only 29 years old. Investigations revealed the involvement of Ukrainian secret services. But beyond the geopolitical surface lies a deeper truth: not just an assassination, but an attempt to strike at a principle, to silence a spiritual presence that disturbed the dark equilibrium of our age.
In a world where the war of ideas shapes more than armed conflict, Darya was targeted because she embodied an alternative vision: multipolar, vertical, and hieratic. In her burned a union of fire and lightness, rigor and dance, metaphysical thought and radiant joy. Wherever she went—from Mariupol to St. Petersburg, from Moscow to youth forums—she reactivated the memory of the Sacred and called souls back to their principle.
The video documenting the consecration of the cross is more than reportage: it is the testimony of a passage. There, where the sacrifice occurred, the blessed wood rises as the world-axis, a visible symbol of invisible ascent. Not a sign of death, but a sign of return: the cross is the synthema that reminds the soul of its divine origin and calls it home. It is an active symbol, not passive memory.
In that same place, a monument is now in preparation. Aleksandr Dugin, Darya’s father, announced that the sculpture will be erected by the end of August at the Zakharovo estate. The work is entrusted to sculptor Dmitry Aleksandrov, who knew Darya personally and has already created a model. The inauguration is expected to coincide with the Festival of Tradition. Thus memory takes on form, and form becomes a bridge between worlds.
Cantiere Multipolare recognizes in Darya not only a witness of Tradition but a metaphysical martyr, a solar figure whose sacrifice takes on paradigmatic value for those who seek ascent in times of dissolution. In Darya’s name, we do not merely preserve a memory, but affirm a vocation: for in her death there is not mere absence, but initiation, and her mourning is not a void but a transfiguration—a final and most pure act of separation from multiplicity and return to the One.
“For it is not permitted to unite with the Divine if one shares the wide and easy path of kakía that the many walk in herds, rather than the narrow path of Virtue,” Proclus reminds us—and it is precisely for this reason that Darya, who walked alone toward the heights, became living philosophy: a luminous presence in the world and an eternal sign in the cosmos, a soul who reminds the few that a return to the Gods is possible, but it requires fire, detachment, and verticality.
Diego Cinquegrana

Where There Are Neither Parallels Nor Poles
The Darya Dugina Prize and the Path of Art
There is a point in being where the word ceases to be a word and becomes wind, gesture, flame.
There is a point where philosophy becomes flesh, and art—vision.
There is a point where life itself, embraced in all its dramatic intensity, becomes theurgy.
That point has a name: Darya Dugina.
In the rarefied light of the Civic Chamber of the Russian Federation, young artists, thinkers, priests, veterans, and poets gathered for the Second International Youth Prize “Russian Frontier,” dedicated to Daria Aleksandrovna Dugina.
Six categories, one guiding star: beauty that saves, art as spiritual revolution, thought as weapon and sacrifice.
Aleksandr Dugin, philosopher and father of Darya, reminded us that the true hope of Russia lies in its youth: purer, more whole, still capable of believing, still able to hurl themselves—like the Nietzschean arrow—towards an unknown shore, without guarantees, without maps, where there are neither parallels nor poles.
So sang Evgeny Golovin, the master of metaphysical night, whom Darya quoted in her “Eschatological Optimism”: a nihilism overcome only by the will to Unity.
But this prize is not merely a celebration.
It is a summoning. A sacrificial evocation.
For Darya, in life and in death, performed that gesture proper to the great spirits:
She turned her existence into liturgy, into martyrdom, into a seed of new worlds.
Through her words and actions, she showed the path:
Art not as ornament, not as costume, not as aesthetic self-reference, not as consumption, not as haute couture,
but as spiritual weapon;
Politics not as calculation, but as sacred drama;
Thought not as opinion, but as ascesis.
Natalia Melentyeva, mother and guide, recalled that Dasha made her choice alone, in the silence of her intelligent soul, between good and evil. Without protection, without opportunism.
She chose the light, crossed through the shadows, and became the inner keeper of the fire.
Young philosophers, singers, poets, patriots, militants of Tradition—they all carry that same fire in their hearts.
They are the spiritual children of an invisible constellation, one that guides wayfarers through the nights of postmodern disillusionment.
Darya’s voice, her brief and radiant life, became a beacon, a shining logos, the form of total love: cosmic, eschatological, absolute.
In the faces of those receiving the award, the face of a new Russia is reflected: deep, young, courageous, spiritual, intelligent, visionary.
A Russia that still believes, still dares, still sings.
Not out of nostalgia, but out of invocation.
Not to return backward, but to rise upward.
This is not just a prize.
It is an alchemical act.
An invisible coronation.
And like every true offering, it bears the seal of sacrifice: for only what is fully given becomes eternal.
Darya Dugina, Platonova, is now part of the higher world: she watches over the brave, inspires the pure, and guides the devoted.
It is left to us to guard the fire and carry it forward, toward that unknown shore from which perhaps a new world will be born.
For to the victims, memory.
To the heroes, honor.
To the world, art.
And with it, peace.
— Diego Cinquegrana

L’Artista: Alexey Belyaev-Gintovt
Nato a Mosca nel 1965, Alexey Belyaev-Gintovt è noto per la sua opera che unisce tradizione iconica ortodossa, estetica sovietico-imperiale, avanguardia e pop art, in un linguaggio visivo inconfondibile, dominato dai toni del rosso, oro e nero. È stato insignito nel 2008 del Premio Kandinsky e vanta un lungo impegno culturale e ideologico nel Movimento Eurasiatico Internazionale, al fianco del filosofo Aleksandr Dugin.
Amico personale della famiglia Dugin, Belyaev-Gintovt ha conosciuto Darya sin da adolescente, accompagnandone la crescita intellettuale, la militanza e la profonda vocazione spirituale. Per lui, Darya era “la Giovanna d’Arco russa”, capace di parlare ai cuori dei mistici e dei pensatori d’Europa, accolta nei circoli tradizionalisti di Francia e Italia, dove teneva conferenze su neoplatonismo, anima e destino.

Memoria e Rivelazione
Il murale di Melitopol è una icona contemporanea, una rivelazione metafisica fissata nel cemento. È il volto dell’anima russa nel XXI secolo, che resiste, che soffre, che vede oltre l’oscurità. È anche una soglia tra due mondi: quello della guerra e quello del mito, della cronaca e della leggenda, del dolore e della promessa.
Lì, dove Darya fece la sua ultima tappa in missione umanitaria, ora rimane la sua immagine, impressa non solo su un muro, ma nei cuori di chi continua a battersi per una civiltà multipolare, per un’idea alta e sacra della libertà.
“Hanno ucciso una principessa russa”, dirà l’artista. Ma la sua immagine veglia. Il suo martirio, forse, ha segnato un punto definitivo e di svolta nel dramma della storia contemporanea. E il suo volto dipinto ci chiede, poeticamente, di resistere e lottare.
Diego Cinquegrana

Melitopol, 2023 – Il Murale per Darya Dugina

Tratto dal documentario: Darya Dugina. Siamo per sempre in questa estate (2024).
Autore: Anastasia Mikhailovskaya
Regia: Evgenij Popov
Produzione: Channel One
Filosofa, giornalista e insignita dell’Ordine del Coraggio, Darya Dugina è morta il 20 agosto 2022 per mano di terroristi ucraini.
Il documentario “Darya Dugina: Siamo per sempre in questa estate” della corrispondente di guerra di “Primavera russa” Anastasia Mikhailovskaya è dedicato all’anniversario della morte di Darya. I suoi parenti, amici e compagni condividono i loro ricordi della ragazza che è diventata uno dei simboli della Primavera russa e la personificazione di una donna guerriera. Per la prima volta, gli spettatori ascolteranno messaggi audio dal canale chiuso di Dasha, di cui solo i suoi amici più intimi erano a conoscenza, considerandolo il diario spirituale di Darya. Il musicista Akim Apačev ha scritto una canzone basata sulle poesie di Darya e ha riprodotto il suono della sua voce utilizzando una rete neurale. La première del video di questa canzone è alla fine del film.

Melitopol, 2023 – The Mural for Darya Dugina
An eternal portrait of the Russian Princess, by Alexey Belyaev-Gintovt
In the heart of Melitopol, a symbolic city in the new regions of Russia, a monumental mural appeared in 2023 on the wall of the State University, depicting Darya Dugina: journalist, philosopher, activist, and victim of a terrorist attack on August 20, 2022, near Moscow. The portrait, rich in intensity and meaning, was created by the renowned artist Alexey Belyaev-Gintovt, on the occasion of the official ceremony renaming the street next to the university in honor of the young martyr.
In the mural, Darya appears in a red beret and red coat, her face slightly turned toward the viewer, her eyes half-closed and her gaze penetrating through time. It is the face of someone who holds a mystery, who has seen beyond—and yet she smiles softly, as if to instill strength, beauty, and hope in those who look upon her.
This is not just a visual homage. It is a political, spiritual, and cultural symbol, created by one of the most significant artists of the contemporary Russian scene.

The Artist: Alexey Belyaev-Gintovt
Born in Moscow in 1965, Alexey Belyaev-Gintovt is known for his work that combines Orthodox iconographic tradition, Soviet-imperial aesthetics, avant-garde, and pop art, into a unique visual language dominated by the tones of red, gold, and black. He received the Kandinsky Prize in 2008 and has been actively engaged for years in the cultural and ideological activities of the International Eurasian Movement, alongside philosopher Alexander Dugin.
A personal friend of the Dugin family, Belyaev-Gintovt had known Darya since her teenage years, witnessing her intellectual growth, her activism, and her deep spiritual vocation. For him, Darya was “the Russian Joan of Arc,” able to speak to the hearts of mystics and thinkers across Europe. She was welcomed into traditionalist circles in France and Italy, where she gave lectures on Neoplatonism, the soul, and destiny.

Memory and Revelation
The mural in Melitopol is a contemporary icon, a metaphysical revelation fixed in cement. It is the face of the Russian soul in the 21st century—resisting, suffering, and seeing beyond the darkness. It also stands as a threshold between two worlds: war and myth, news and legend, pain and promise.
There, where Darya made her final stop on a humanitarian mission, her image now remains—engraved not only on a wall, but in the hearts of those who continue to fight for a multipolar civilization, for a sacred and elevated idea of freedom.
“They killed a Russian princess,” says the artist. But her image watches over us. Her martyrdom may have marked a decisive turning point in the drama of contemporary history. And her painted face calls us—poetically—to resist and to fight.

Diego Cinquegrana

Melitopol, 2023 – The Mural for Darya Dugina
Excerpt from the documentary: Darya Dugina. We Are Forever in This Summer (2024)
Author: Anastasia Mikhailovskaya
Director: Evgeny Popov
Production: Channel One
Philosopher, journalist, and recipient of the Order of Courage, Darya Dugina was killed on August 20, 2022, by Ukrainian terrorists.
The documentary “Darya Dugina: We Are Forever in This Summer”, by war correspondent Anastasia Mikhailovskaya (Russian Spring), is dedicated to the anniversary of Darya’s death. Her relatives, friends, and companions share their memories of the young woman who became one of the symbols of the Russian Spring and the embodiment of the woman warrior.
For the first time, viewers will hear audio messages from Dasha’s private channel—known only to her closest friends—which many consider to be her spiritual diary.
Musician Akim Apachev composed a song based on Darya’s poems and recreated the sound of her voice using a neural network. The video premiere of the song concludes the film.

Akim Apačev e Darya Dugina: “Colonnello Luce”.

Testo: Darya Dugina, Nikolaj Gumilëv, Leonid Andreev.
Musica: Bogdan Solodovnik, Ivan Kovalenko, Ljusja Makhova.
Regia: Sergej Debežev.
«Il fulcro, il filo conduttore, il punto di raccolta di questo album è stata Dasha Dugina. Il titolo della canzone composta insieme a lei è diventato anche il titolo della raccolta. Dasha univa tutti gli uomini sani prima della morte. Ci siamo raccolti attorno a lei anche dopo». Akim Apačev. Il videoclip «Полковник Свет» (“Colonnello Luce”), realizzato dal musicista russo Akim Apačev insieme a Darya Dugina, è una potente opera audiovisiva che fonde musica, poesia e visione metapolitica. Pubblicato nel 2024, il brano unisce la voce poetica di Darya alla forza evocativa del linguaggio militante di Apačev, costruendo un inno simbolico alla luce come forza interiore, guida eroica e testimonianza di resistenza spirituale. La presenza di Darya, pensatrice e martire del mondo multipolare, conferisce al video una profondità ulteriore, trasformandolo in memoria vivente e atto rituale.

Testo

[Ritornello: Darya Dugina]

Lampeggiamenti danzeranno sopra la regione,
sopra campi d’acciaio rimbomba l’alba.
Con un tono che squarcia il cielo
parla del futuro il Colonnello Luce.
Gli uccelli si agitano in nugoli,
il cielo geme nell’illusione del sonno.
Sopra gli stivali insanguinati
si leva la tua bandiera, primavera.

[Strofa 1: Akim Apačev]

Ci sono tante vite degne,
ma una sola è degna della morte.
Solo sotto i proiettili, nei fossati silenziosi,
credi nella bandiera del Signore, nella volta celeste.
E per questo sai con chiarezza
che nell’unica, solenne ora,
nell’ora in cui, come nube rossastra,
il caro giorno svanisce dagli occhi,
la volta celeste si aprirà
davanti all’anima – e quell’anima
bianchi cavalli porteranno
verso un’altezza abbagliante.
Là, un Comandante in lucente armatura,
con elmo terribile di raggi stellari,
e all’antico, bellicoso gioco
chiamano le trombe dalle ali di fuoco.
Ma anche qui, sulla terra, non è peggio –
la stessa morte: chiara e semplice.
Qui il compagno piange su chi è caduto
e lo bacia sulle labbra.
Qui un prete dalla tonaca lacera
canta un salmo con dolcezza,
qui suonano una marcia solenne
sopra un colle appena visibile.

[Ritornello: Darya Dugina]

Lampeggiamenti danzeranno sopra la regione,
sopra campi d’acciaio rimbomba l’alba.
Con un tono che squarcia il cielo
parla del futuro il Colonnello Luce.
Gli uccelli si agitano in nugoli,
il cielo geme nell’illusione del sonno.
Sopra gli stivali insanguinati
si leva la tua bandiera, primavera.

[Bridge: Darya Dugina – Recitativo tratto da Leonid Andreev]

– Vattene da qui e non tornare mai,
finché con il tuo corpo o con il tuo spirito
non ti sarai unito all’uomo sofferente.
Comprendi e ricorda, caro,
che la veste bianca è necessaria solo per chi
non ha mai lasciato il cielo:
ma per chi è stato sulla terra,
una veste così pulita come la tua –
è vergogna e disonore!
Ti sei risparmiato, lo vedo,
e per questo mi sei odioso. Vattene in fretta,
che di nuovo i tuoni salgono al petto.
E quando vedrai sulla terra
quei miei antichi messaggeri
che temono di tornare,
dì loro con dolcezza e misericordia –
poiché parlerai a mio nome –:
«Tornate in cielo,
non abbiate paura,
il Padre vi ama e vi attende».
Il Padre vi ama e vi attende!
Il Padre vi ama e vi attende!
Il Padre vi ama e vi attende!
Il Padre vi ama e vi attende!
[Ritornello: Darya Dugina]
Lampeggiamenti danzeranno sopra la regione,
sopra campi d’acciaio rimbomba l’alba.
Con un tono che squarcia il cielo
parla del futuro il Colonnello Luce.
Gli uccelli si agitano in nugoli,
il cielo geme nell’illusione del sonno.
Sopra gli stivali insanguinati
si leva la tua bandiera, primavera.

Akim Apačev e Darya Dugina: “Colonnello Luce”.

Tratto dal documentario: Darya Dugina. Siamo per sempre in questa estate (2024).
Autore: Anastasia Mikhailovskaya
Regia: Evgenij Popov
Produzione: Channel One

Filosofa, giornalista e insignita dell’Ordine del Coraggio, Darya Dugina è morta il 20 agosto 2022 per mano di terroristi ucraini.
Il documentario “Darya Dugina: Siamo per sempre in questa estate” della corrispondente di guerra di “Primavera russa” Anastasia Mikhailovskaya è dedicato all’anniversario della morte di Darya. I suoi parenti, amici e compagni condividono i loro ricordi della ragazza che è diventata uno dei simboli della Primavera russa e la personificazione di una donna guerriera. Per la prima volta, gli spettatori ascolteranno messaggi audio dal canale chiuso di Dasha, di cui solo i suoi amici più intimi erano a conoscenza, considerandolo il diario spirituale di Darya. Il musicista Akim Apačev ha scritto una canzone basata sulle poesie di Darya e ha riprodotto il suono della sua voce utilizzando una rete neurale. La première del video di questa canzone è alla fine del film.

Akim Apačev and Darya Dugina: “Colonel Light”

Lyrics: Darya Dugina, Nikolaj Gumilëv, Leonid Andreev
Music: Bogdan Solodovnik, Ivan Kovalenko, Ljusja Makhova
Director: Sergej Debežev
“The focal point, the guiding thread, the point of convergence of this album was Dasha Dugina. The title of the song we composed together also became the title of the entire collection.Dasha united all upright men before death. And we gathered around her even after.” Akim Apačev.The music video “Полковник Свет” (Colonel Light), created by Russian musician Akim Apačev together with Darya Dugina, is a powerful audiovisual work blending music, poetry, and metapolitical vision. Released in 2024, the piece fuses Darya’s poetic voice with the evocative strength of Apačev’s militant language, constructing a symbolic hymn to light as inner force, heroic guidance, and testimony of spiritual resistance. Darya’s presence—thinker and martyr of the multipolar world—imbues the video with deeper meaning, transforming it into a living memory and ritual act.

Lyrics

[Chorus – Darya Dugina]

Flashes will dance above the region,
over fields of steel the dawn resounds.
With a tone that rends the sky,
Colonel Light speaks of the future.
Birds stir in swarms,
the sky groans in the illusion of sleep.
Above bloodied boots
your banner rises, O spring.

[Verse 1 – Akim Apačev]

There are many lives worth living,
but only one worthy of death.
Only under bullets, in silent trenches,
do you believe in the Lord’s banner, in the celestial vault.
And for this, you know with clarity
that in the one solemn hour—
in the hour when, like a reddish cloud,
the dear day fades from your eyes—
the heavens will open
before your soul – and that soul
white horses shall carry
to a dazzling height.
There, a Commander in shining armor,
with a terrible helm of starry rays,
and to the ancient, warlike game
trumpets with wings of fire call.
But even here, on earth, it is no worse –
the same death: clear and simple.
Here the comrade weeps for the fallen
and kisses him on the lips.
Here a priest in a torn robe
sings a psalm gently,
here a solemn march resounds
above a barely visible hill.

[Chorus – Darya Dugina]

Flashes will dance above the region,
over fields of steel the dawn resounds.
With a tone that rends the sky,
Colonel Light speaks of the future.
Birds stir in swarms,
the sky groans in the illusion of sleep.
Above bloodied boots
your banner rises, O spring.

[Bridge – Darya Dugina – Recitation from Leonid Andreev]

– Leave this place and never return
until, with your body or your spirit,
you have united with the suffering man.
Understand and remember, dear one,
that the white robe is needed only by those
who have never left the sky.
But for one who has walked the earth,
a robe as pure as yours –
is shame and disgrace!
You have spared yourself, I can see it,
and for that I despise you. Go quickly,
for thunder again rises in the chest.
And when you see on earth
those ancient messengers of mine
who fear to return,
tell them with gentleness and mercy –
for you will speak in my name –:
“Return to heaven,
do not be afraid,
the Father loves you and awaits you.”
The Father loves you and awaits you!
The Father loves you and awaits you!
The Father loves you and awaits you!
The Father loves you and awaits you!

[Chorus – Darya Dugina]

Flashes will dance above the region,
over fields of steel the dawn resounds.
With a tone that rends the sky,
Colonel Light speaks of the future.
Birds stir in swarms,
the sky groans in the illusion of sleep.
Above bloodied boots
your banner rises, O spring.

Akim Apačev and Darya Dugina: “Colonel Light”

From the documentary: Darya Dugina. We Are Forever in This Summer (2024)
Author: Anastasia Mikhailovskaya
Director: Evgenij Popov
Production: Channel One
Philosopher, journalist, and recipient of the Order of Courage, Darya Dugina was killed on August 20, 2022, by Ukrainian terrorists. The documentary Darya Dugina: We Are Forever in This Summer, created by “Russian Spring” war correspondent Anastasia Mikhailovskaya, is dedicated to the anniversary of Darya’s death. Her relatives, friends, and comrades share their memories of the young woman who became one of the symbols of the Russian Spring and the embodiment of a warrior woman. For the first time, viewers will hear voice messages from Dasha’s private channel—known only to her closest friends—considered a spiritual diary of Darya. Musician Akim Apačev composed a song based on Darya’s poetry and recreated the sound of her voice using a neural network. The music video for this song premieres at the end of the film.

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭca – Voci e Rumori

CAVERNA DELLE ROSE
AimA Lichtblau e Laura Manescalchi

L’Arte delle Altezze Rarefatte – “Zarathustra”
Dalla pittura di Nikolaj Konstantinovič Rerich ai paesaggi sonori

In occasione della serata lirica
in omaggio ai 150 anni dalla nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich (1874–1947)
Chiesa di San Matteo di Laigueglia
6 Maggio 2025

«[…] la sua pittura ha essenzialmente il valore di una “via”: di una via verso qualcosa di trascendente, nel senso integrale di questo termine e con riferimento non ad un’astrazione, ma a un’esperienza reale». – Julius Evola, Meditazioni delle Vette.

Organizzata dal Centro dei Festival Cinematografici e Programmi Internazionali con il sostegno del Forum del dialogo Italo-russo, nella cornice del progetto Missione culturale in Italia e con la collaborazione di Cantiere Multipolare, la serata ha reso omaggio al 150° anniversario della nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich, figura cardine dell’arte russa del Novecento e autore di una pittura densa di riferimenti simbolici e trascendenti.
L’evento ha riunito interpreti russi di prestigio – Maria Pakhar’, Denis Sedov e Sergej Semenov – e, per la sezione Musĭca – Voci e Rumori di Cantiere Multipolare, i giovani artisti italiani del collettivo Caverna delle Rose, rappresentato per l’occasione da AimA Lichtblau (voce, overtone harp) e Laura Manescalchi (flauto traverso).
In apertura, Caverna delle Rose ha proposto un’esplorazione sonora ispirata all’estetica di Rerich, riletta in chiave sinestetica e mistica attraverso riferimenti a Julius Evola ed Elémire Zolla. L’intervento ha offerto una trasposizione acustica del concetto di verticalità, interpretando la pittura come via iniziatica e il suono come strumento di elevazione spirituale.
Ad arricchire la serata è stata la presentazione dei foulard dell’artista, scenografo e designer Anna Nezhnaya, opere grafiche stampate su seta nate da un lungo percorso di ricerca teatrale e simbolica. Queste creazioni — dedicate al novantesimo anniversario del Patto Rerich — rievocano la tradizione dei Balletti Russi e rendono omaggio a figure cardine della cultura del Novecento, come Nižinskij, Borodin, Stravinskij e d’Annunzio, intrecciando mito, storia e arte in un unico gesto estetico.
L’iniziativa ha visto anche la pubblicazione del primo Quaderno di Cantiere Multipolare, contenente il testo teorico dell’intervento sonoro: L’Arte delle Altezze Rarefatte – Dalla pittura di Nikolaj Rerich ai paesaggi sonori.

“Zarathustra” di Nikolaj Rerich rappresenta un’opera di straordinaria potenza simbolica che fonde sapientemente elementi filosofici, spirituali e naturalistici. La composizione è dominata dall’imponente presenza delle montagne hymalaiane, elemento ricorrente nell’opera di Rerich, che assumono una valenza metafisica. La scelta cromatica evoca il concetto nietzschiano di grosser Mittag (grande meriggio), metafora per indicare il momento di massima chiarezza, illuminazione e pienezza dell’essere umano nel suo cammino verso la trascendenza e la trasformazione.
La figura di Zarathustra, rappresentata di spalle e in posizione contemplativa, stabilisce un dialogo silenzioso con l’immensità naturale. La sua silhouette scura contrasta con la luminosità del paesaggio, creando una tensione visiva che riflette la dialettica nietzschiana tra umano e superumano e un invito silenzioso a superare i limiti della condizione umana per abbracciare una dimensione cosmica dell’esistenza. La solitudine della figura umana davanti all’immensità della natura riecheggia l’isolamento necessario alla trasformazione spirituale in accordo con il pensiero nietzschiano.

«Amico mio, fuggi nella tua solitudine! Io ti vedo assordato dal fracasso dei grandi uomini e punzecchiato dai pungiglioni degli uomini piccoli.
La foresta e il macigno sanno tacere dignitosamente con te.
Sii di nuovo simile all’albero che tu ami, dalle ampie fronde: tacito e attento si leva sopra il mare.
Là dove la solitudine finisce, comincia il mercato; e dove il mercato comincia, là comincia anche il fracasso dei grandi commedianti e il ronzio di mosche velenose».

I passaggi sonori dall’oscurità timbrica della voce alla luminosità sonora del flauto risuonano come un canto primordiale, un dialogo silenzioso tra l’uomo e l’immensità, evocando il silenzio della contemplazione resa ulteriormente mediante linee melodiche ascendenti che simboleggiano l’elevazione spirituale.

Caverna delle Rose – Prassi poetico-musicale

«[...]è ancora lo spirito trascendente a tenere il bandolo della matassa e il bastone del comando».
– Roberto Melchionda, La folgore di Apollo, in Julius Evola, Orientamenti – Undici punti.

Condotto da AimA Lichtblau e Diego Cinquegrana – affiancati dalla flautista Laura Manescalchi e dal baritono e percussionista Evor Ameisie (Camerata Mediolanense) – Caverna delle Rose si presenta come un progetto musicale liminale, situato tra astrazione, ricerca e reinterpretazione: un ponte sonoro che collega pratiche antiche e sensibilità contemporanee.
Radicato nella contemplazione della natura, della sapienza tradizionale e dei principi perenni che hanno attraversato e sempre attraverseranno le civiltà emerse, Caverna delle Rose traduce in linguaggio musicale quei temi fondamentali che René Guénon identificava come il nucleo invariante della Tradizione primordiale: la distanza tra il contingente e l’eterno – l’essenziale –, il simbolismo cosmologico e la ricerca dell’unità perduta. Dalle leggi che governano i cicli naturali alla rilettura di antichi testi sapienziali, le composizioni esplorano i misteri della creazione, della vita, della morte e delle profondità dell’interiorità umana.
La prassi musicale si rivela come teofania spontanea – manifestazione sensibile dell’Assoluto – un tentativo di ricostituzione dell’unità primordiale attraverso un’esperienza sonora che, riappropriandosi della propria dimensione cosmogonica originaria, diviene principio generativo di nuove possibilità esistenziali. Questo approccio si pone in deliberata opposizione alla visione quantitativa e meccanicistica che, come indicato dall’esoterista di Blois in La crisi del mondo moderno, caratterizza l’epoca contemporanea e il materialismo unipolare ampiamente coadiuvato dall’assenso dogmatico delle masse. In un’epoca segnata dalla frammentazione dei saperi e dall’atomizzazione delle competenze – separata da ogni orizzonte metafisico – Caverna delle Rose propone una prassi artistica integrale, dove l’esperienza estetica non è mai separata dalla dimensione etica e metafisica, recuperando quella visione pitagorica secondo cui l’armonia musicale riflette l’ordine cosmico e influenza direttamente l’anima umana, con conseguenze sul piano sociale, politico e spirituale. La ricerca di Caverna delle Rose, in accordo alla prospettiva multipolare e al principio dell’unità trascendente delle tradizioni, attinge a diversi patrimoni culturali attraverso sintesi innovative e classiche, offrendo itinerari possibili alle inquietudini spirituali contemporanee. Il progetto si propone come via oltre la modernità nel senso indicato da Julius Evola, una trasfigurazione militante – stile dell’anima – che recuperi e inveri la dimensione verticale dell’esistenza dell’uomo della resistenza, dell’uomo dritto fra le rovine. La musica diviene così medium di comunicazione universale in un mondo segnato dal regno della quantità, favorendo il dialogo tra culture diverse ed evidenziando la dimensione sacra che costituisce il nucleo essenziale di ogni autentica Tradizione.
La concezione della musica come percorso “mistico” sottolinea la centralità dell’esperienza estatica, realizzata attraverso un’alchimia modale che intreccia suoni e strumenti eterogenei: voce, fiati, archi, percussioni, suoni elettronici e rumori naturali, in una sintesi che evoca l’armonia degli opposti ben nota alla tradizione ermetica.

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CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭca – Voci e Rumori

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ANNA NEZHNAYA

Opere tessili ispirate all’immaginario di Nikolaj Konstantinovič Rerich

IL PATTO DI BELLEZZA NEL DISEGNO DI ANNA NEZHNAYA
“Nel mio percorso creativo, come scenografo teatrale e autore di progetti artistici, ho “incrociato” Nikolaj Rerich in produzioni dedicate ai suoi Balletti Russi “La Sagra della Primavera” e “Danze polovesiane”, creando varianti moderne delle decorazioni e nuove installazioni di design. Seguendo le orme dei demiurghi dell’arte, nasce così una serie di opere grafiche stilizzate, nelle quali illustro la storia teatrale in stile Art Deco. Nel tentativo di riempire di idee tutti i piani, come un mosaico di allusioni, ho “intarsiato” il palcoscenico di ogni tema con i nomi di eroi mitologici, maschere di antiche divinità e ritratti di importanti rappresentanti del Novecento: Vaclav Nižinskij, Alexander Borodin, Igor Stravinskij e Gabriele d’Annunzio. Utilizzando la stampa mista digitale su seta, riproduco le immagini anche nel formato quadrato del foulard. Nel 2025 dedico questi pannelli decorativi al novantesimo anniversario del Patto Roerich per la Protezione dei Beni Culturali”. – Anna Nezhnaya, artista, designer, ricercatore del patrimonio dell’impresa “Le Stagioni Russe” e dell’Avanguardia europea della prima metà del XX secolo, detentore dell’Ordine di Diaghilev per il suo contributo alla promozione della cultura russa e allo sviluppo delle relazioni bilaterali italo-russe nel campo della cultura.

АННА НЕЖНАЯ

ПАКТ КРАСОТЫ В ДИЗАЙНЕ АННЫ НЕЖНОЙ
«На своем творческом пути как сценограф и автор художественных проектов я «пересекалась» с Николаем Рерихом в постановках, посвященных его Русским Балетам «Весна священная» и «Половецкие пляски», создавая современные вариации декораций и новые дизайнерские инсталляции. Следуя по стопам демиургов искусства, так родилась серия стилизованных графических работ, в которых я иллюстрирую историю театра в стиле Арт Деко. Стремясь наполнить все уровни идеями, словно мозаикой аллюзий, я «инкрустировала» сцену каждой темы именами мифологических героев, масками античных божеств и портретами важных представителей ХХ века: Вацлава Нижинского, Александра Бородина, Игоря Стравинского и Габриэле д’Аннунцио. С помощью смешанной техники цифровой печати на шелке я воспроизвожу изображения также в виде квадратного платка. В 2025 году декоративные панно я посвящаю 90-летию Пакта Рериха об охране культурных ценностей». – Анна Нежная, художник, дизайнер, исследователь наследия антрепризы «Русские сезоны» и европейского авангарда первой половины XX века, кавалер ордена Дягилева за вклад в продвижении русской культуры и развитие двусторонних российско-итальянских отношений в области культуры.

“Nikolaj Rerich, studiando storia ed etnografia, allargò i confini del vasto Impero Russo; sullo sfondo dei cataclismi geopolitici mondiali divenne un Uomo del Mondo, creò una filosofia e una scuola teosofica uniche, visitò l’Europa, l’America, il Giappone, la Cina e la Mongolia con conferenze didattiche, organizzò e condusse spedizioni di ricerca, camminò nel deserto del Gobi e sulle montagne del Tibet, creando ritratti pittoreschi di questi luoghi perduti – “punti bianchi” sulla mappa. Autore dello “Stendardo della Pace”, Rerich trascorse la parte finale della sua vita in India, dove lui e la sua famiglia elaborarono l’insegnamento religioso e filosofico dell’Agni Yoga, o Etica Vivente, che univa l’occultismo occidentale e l’esoterismo orientale e divenne la base del movimento New Age. Jawaharlal Nehru e Indira Gandhi visitarono la tenuta Rerich ai piedi dell’Himalaya, affermando che “Roerich combinava uno scienziato moderno e un antico saggio”. Nella serie di tavole “Danze polovesiane”, come epigrafe ho scelto le parole di questo artista-filosofo: “Nello Spirito con te”. “La consapevolezza della bellezza salverà il mondo”, ha affermato Rerich. Generatori di idee e sensi, protagonisti dell’epoca della nuova arte, mi ispirano in ogni atto delle loro vite per creare i miei progetti “multinazionali nel genere della fantasia intellettuale: un viaggio immaginario come continuazione dell’Era delle grandi scoperte geografiche..” – Anna Nezhnaya

«Николай Рерих, изучая историю и этнографию раздвигал рамки необъятной Российской Империи, на фоне геополитических мировых катаклизмов стал Человеком Мира, создал уникальную философию и теософскую школу, посетил с просветительскими лекциями Европу, Америку, Японию, Китай и Монголию, организовал и возглавил исследовательские экспедиции, прошел пешком пустыню Гоби и горы Тибета, создав живописные портреты этих затерянных мест – белых пятен на карте. Автор «Знамени Мира», Рерих заключительную часть своей жизни провёл в Индии, где он и его семья создали религиозно-философское учение А́гни-йо́га, или Жива́я Э́тика, объединяющее западный оккультизм и эзотеризм Востока и ставшее основой движения New Age. В имении Рерихов в предгорье Гималаев бывали Джавахарлал Неру и Индира Ганди говоря, что «Рерих сочетал в себе современного учёного и древнего мудреца». В панно серии « Половецкие пляски» я выбрала в качестве эпиграфа слова этого художника-философа: фраза, которой Рерих подписывал свои письма друзьям – «Духом с Вами». «Осознание Красоты спасёт мир» говорил Рерих. Генераторы идей и смыслов, главные герои эпохи нового искусства вдохновляют меня каждым актом их жизни на создание мультинациональных выставочных проектов в жанре интеллектуальной фантазии: воображаемое путешествие как продолжение «Века великих географических открытий.» – Анна Нежная

© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

ENGLISH

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭc – Voices and Noises

CAVERNA DELLE ROSE
AimA Lichtblau and Laura Manescalchi
The Art of Rarefied Heights – “Zarathustra”
From the painting of Nikolaj Konstantinovich Roerich to soundscapes
On the occasion of the lyrical evening
in homage to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovich Roerich (1874–1947)
Church of San Matteo, Laigueglia
6 May 2025
“[...] his painting essentially has the value of a ‘path’: a path toward something transcendent, in the integral sense of this term and with reference not to an abstraction, but to a real experience.”
– Julius Evola, Meditations on the Peaks
Organized by the Center for Film Festivals and International Programs with the support of the Italian-Russian Dialogue Forum, as part of the Cultural Mission in Italy project and in collaboration with Cantiere Multipolare, the evening paid tribute to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovič Rerich, a pivotal figure in 20th-century Russian art and creator of a body of work rich in symbolic and transcendent references.
The event brought together renowned Russian performers – Maria Pakhar’, Denis Sedov, and Sergej Semenov – and, representing the Musĭca – Voices and Noises section of Cantiere Multipolare, the young Italian artists of the experimental music collective Caverna delle Rose, featuring AimA Lichtblau (voice, overtone harp) and Laura Manescalchi (transverse flute).
Opening the evening, Caverna delle Rose presented a sonic exploration inspired by Rerich’s aesthetic, reinterpreted through a mystical and synesthetic lens, drawing on the insights of Julius Evola and Elémire Zolla. Their performance offered an acoustic transposition of verticality, interpreting painting as an initiatory path and sound as a means of spiritual elevation.
Enriching the evening was the presentation of the scarves created by the artist, set designer, and designer Anna Nezhnaya — silk-printed graphic works born from an extensive theatrical and symbolic research process. These creations — dedicated to the 90th anniversary of the Roerich Pact — evoke the legacy of the Ballets Russes and pay homage to key cultural figures of the twentieth century, such as Nižinskij, Borodin, Stravinskij, and d’Annunzio, intertwining myth, history, and art in a unified aesthetic gesture.
The event also marked the release of the first Cantiere Multipolare Notebook, featuring the theoretical text that accompanied the sonic performance: The Art of Rarefied Heights – From the Painting of Nikolaj Rerich to Sonic Landscapes.

“Zarathustra” by Nikolaj Roerich represents a work of extraordinary symbolic power that masterfully fuses philosophical, spiritual, and naturalistic elements. The composition is dominated by the imposing presence of the Himalayan mountains – a recurring motif in Roerich’s work – which assume a metaphysical significance. The chromatic choices evoke Nietzsche’s concept of grosser Mittag (great noontide), a metaphor indicating the moment of maximum clarity, illumination, and fullness of being on the path toward transcendence and transformation.
The figure of Zarathustra, shown from behind in a contemplative pose, establishes a silent dialogue with the vastness of nature. His dark silhouette contrasts with the luminous landscape, creating a visual tension that reflects the Nietzschean dialectic between human and superhuman – a silent invitation to transcend the limits of the human condition and embrace a cosmic dimension of existence. The solitude of the human figure before the immensity of nature echoes the necessary isolation for spiritual transformation, in alignment with Nietzsche’s thought.
“My friend, flee into your solitude! I see you deafened by the noise of great men and stung by the stings of the petty.
The forest and the rock know how to be silent with you.
Be again like the tree you love, with broad branches: silent and attentive it towers over the sea.
Where solitude ends, the market begins; and where the market begins, the noise of great actors and the buzzing of poisonous flies also begins.”
The sonic transitions from the timbral darkness of the voice to the luminous clarity of the flute resonate as a primordial chant, a silent dialogue between man and the vastness – evoking the silence of contemplation, further expressed through ascending melodic lines symbolizing spiritual elevation.

Caverna delle Rose – Poetic-Musical Praxis
“[...] it is still the transcendent spirit that holds the thread and the staff of command.”
– Roberto Melchionda, The Thunderbolt of Apollo, in Julius Evola, Orientations – Eleven Points
Led by AimA Lichtblau and Diego Cinquegrana – joined by flutist Laura Manescalchi and baritone-percussionist Evor Ameisie (Camerata Mediolanense) – Caverna delle Rose presents itself as a liminal musical project, situated between abstraction, research, and reinterpretation: a sonic bridge connecting ancient practices and contemporary sensibilities.
Rooted in the contemplation of nature, traditional wisdom, and the perennial principles that have always traversed emerging civilizations, Caverna delle Rose translates into musical language those fundamental themes identified by René Guénon as the invariant core of the Primordial Tradition: the distance between the contingent and the eternal – the essential –, cosmological symbolism, and the search for the lost unity.
From the laws that govern natural cycles to the reinterpretation of ancient sapiential texts, the compositions explore the mysteries of creation, life, death, and the depths of human interiority. The musical praxis reveals itself as a spontaneous theophany – a sensible manifestation of the Absolute – an attempt to reconstitute primordial unity through a sonic experience that, reclaiming its original cosmogonic dimension, becomes a generative principle of new existential possibilities.
This approach stands in deliberate opposition to the quantitative and mechanistic worldview that, as indicated by the esotericist from Blois in The Crisis of the Modern World, characterizes contemporary times and the unipolar materialism widely supported by the dogmatic consent of the masses.
In an age marked by the fragmentation of knowledge and the atomization of competences – cut off from any metaphysical horizon – Caverna delle Rose proposes an integral artistic praxis, where the aesthetic experience is never separated from the ethical and metaphysical dimension. It recovers the Pythagorean vision according to which musical harmony reflects cosmic order and directly influences the human soul, with consequences on the social, political, and spiritual levels.
The research of Caverna delle Rose, aligned with the multipolar perspective and the principle of the transcendent unity of traditions, draws on various cultural heritages through innovative and classical syntheses, offering possible itineraries to contemporary spiritual restlessness.
The project proposes itself as a path beyond modernity, in the sense indicated by Julius Evola – a militant transfiguration, a style of the soul – recovering and realizing the vertical dimension of the existence of the man of resistance, the upright man among the ruins.
Thus, music becomes a medium of universal communication in a world dominated by the reign of quantity, fostering dialogue among diverse cultures and highlighting the sacred dimension that constitutes the essential core of every authentic Tradition.
The conception of music as a “mystical” path underlines the centrality of ecstatic experience, achieved through a modal alchemy that intertwines diverse sounds and instruments: voice, winds, strings, percussion, electronic sounds, and natural noises – in a synthesis that evokes the harmony of opposites well known to the hermetic tradition.
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CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭc – Voices and Noises

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ANNA NEZHNAYA
Textile works inspired by the imagery of Nikolai Konstantinovich Roerich
THE PACT OF BEAUTY IN THE ART OF ANNA NEZHNAYA

“In my creative journey, as a theatrical set designer and author of artistic projects, I ‘crossed paths’ with Nikolai Roerich through productions dedicated to his Russian Ballets The Rite of Spring and Polovtsian Dances, creating modern reinterpretations of his stage designs and new design installations. Following in the footsteps of the demiurges of art, I created a series of stylized graphic works in which I illustrate theatrical history in an Art Deco style.
In an attempt to fill every plane with ideas—like a mosaic of allusions—I have inlaid the stage of each theme with the names of mythological heroes, masks of ancient deities, and portraits of important figures from the twentieth century: Vaclav Nijinsky, Alexander Borodin, Igor Stravinsky, and Gabriele d’Annunzio. Using mixed digital printing on silk, I also reproduce the images in the square format of scarves. In 2025, I dedicate these decorative panels to the ninetieth anniversary of the Roerich Pact for the Protection of Cultural Property.”
– Anna Nezhnaya, artist, designer, researcher of the heritage of the “Russian Seasons” project and of the European avant-garde of the early twentieth century, recipient of the Diaghilev Order for her contribution to the promotion of Russian culture and to the development of Italian-Russian cultural relations.

“Nikolai Roerich, through his studies in history and ethnography, expanded the boundaries of the vast Russian Empire; against the backdrop of global geopolitical upheavals, he became a Man of the World, created a unique philosophy and theosophical school, and traveled across Europe, America, Japan, China, and Mongolia on educational lecture tours.
He organized and led research expeditions, walked through the Gobi Desert and the mountains of Tibet, and painted vivid portraits of these lost places—those ‘white spots’ on the map. As the author of the Banner of Peace, Roerich spent the final part of his life in India, where he and his family developed the religious-philosophical teaching of Agni Yoga, or Living Ethics, a synthesis of Western occultism and Eastern esotericism that became the foundation of the New Age movement.
Jawaharlal Nehru and Indira Gandhi visited the Roerich estate at the foot of the Himalayas, stating that “Roerich combined the modern scientist with the ancient sage.”
In the series of panels titled Polovtsian Dances, I chose as an epigraph the words of this artist-philosopher: “In Spirit with you.”
“The awareness of beauty will save the world,” said Roerich.
Generators of ideas and meanings, protagonists of the era of new art, inspire me in every act of their lives to create my own ‘multinational’ projects in the genre of intellectual fantasy: an imaginary journey as a continuation of the Age of Great Geographical Discoveries.”
– Anna Nezhnaya
© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

CAVERNA DELLE ROSE
AimA Lichtblau e Laura Manescalchi

L’Arte delle Altezze Rarefatte – “I santi Boris e Gleb”
Dalla pittura di Nikolaj Konstantinovič Rerich ai paesaggi sonori

In occasione della serata lirica
in omaggio ai 150 anni dalla nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich (1874–1947)
Chiesa di San Matteo di Laigueglia
6 Maggio 2025

«[…] la sua pittura ha essenzialmente il valore di una “via”: di una via verso qualcosa di trascendente, nel senso integrale di questo termine e con riferimento non ad un’astrazione, ma a un’esperienza reale». – Julius Evola, Meditazioni delle Vette.

Organizzata dal Centro dei Festival Cinematografici e Programmi Internazionali con il sostegno del Forum del dialogo Italo-russo, nella cornice del progetto Missione culturale in Italia e con la collaborazione di Cantiere Multipolare, la serata ha reso omaggio al 150° anniversario della nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich, figura cardine dell’arte russa del Novecento e autore di una pittura densa di riferimenti simbolici e trascendenti.
L’evento ha riunito interpreti russi di prestigio – Maria Pakhar’, Denis Sedov e Sergej Semenov – e, per la sezione Musĭca – Voci e Rumori di Cantiere Multipolare, i giovani artisti italiani del collettivo Caverna delle Rose, rappresentato per l’occasione da AimA Lichtblau (voce, overtone harp) e Laura Manescalchi (flauto traverso).
In apertura, Caverna delle Rose ha proposto un’esplorazione sonora ispirata all’estetica di Rerich, riletta in chiave sinestetica e mistica attraverso riferimenti a Julius Evola ed Elémire Zolla. L’intervento ha offerto una trasposizione acustica del concetto di verticalità, interpretando la pittura come via iniziatica e il suono come strumento di elevazione spirituale.
Ad arricchire la serata è stata la presentazione dei foulard dell’artista, scenografo e designer Anna Nezhnaya, opere grafiche stampate su seta nate da un lungo percorso di ricerca teatrale e simbolica. Queste creazioni — dedicate al novantesimo anniversario del Patto Rerich — rievocano la tradizione dei Balletti Russi e rendono omaggio a figure cardine della cultura del Novecento, come Nižinskij, Borodin, Stravinskij e d’Annunzio, intrecciando mito, storia e arte in un unico gesto estetico.
L’iniziativa ha visto anche la pubblicazione del primo Quaderno di Cantiere Multipolare, contenente il testo teorico dell’intervento sonoro: L’Arte delle Altezze Rarefatte – Dalla pittura di Nikolaj Rerich ai paesaggi sonori.

“I santi Boris e Gleb”. Quest’opera rappresenta un esempio emblematico dell’approccio sincretistico di Rerich alle tradizioni religiose. I santi martiri della cristianità ortodossa russa vengono rappresentati con una stilizzazione che fonde elementi dell’iconografia bizantina con influenze provenienti dalla pittura tibetana e dall’arte dell’Asia centrale. La bidimensionalità delle figure e l’uso di colori puri denotano un superamento della rappresentazione mimetica in favore di una presentazione simbolica del sacro. La luminosità interiore dei personaggi, resa attraverso un’aura dorata, trascende la specificità della tradizione ortodossa per divenire simbolo universale della santità come stato di coscienza illuminata. Rerich realizza così una sintesi visiva che suggerisce l’unità fondamentale dell’esperienza mistica al di là delle differenze confessionali.

Così, a livello musicale, l’invocazione alla forza — al vigor — diviene invocazione e mantra, fusione di canto liturgico e sonorità orientali, facendosi suono dalle tinte auree e calde.

Caverna delle Rose – Prassi poetico-musicale

«[...]è ancora lo spirito trascendente a tenere il bandolo della matassa e il bastone del comando».
– Roberto Melchionda, La folgore di Apollo, in Julius Evola, Orientamenti – Undici punti.

Condotto da AimA Lichtblau e Diego Cinquegrana – affiancati dalla flautista Laura Manescalchi e dal baritono e percussionista Evor Ameisie (Camerata Mediolanense) – Caverna delle Rose si presenta come un progetto musicale liminale, situato tra astrazione, ricerca e reinterpretazione: un ponte sonoro che collega pratiche antiche e sensibilità contemporanee.
Radicato nella contemplazione della natura, della sapienza tradizionale e dei principi perenni che hanno attraversato e sempre attraverseranno le civiltà emerse, Caverna delle Rose traduce in linguaggio musicale quei temi fondamentali che René Guénon identificava come il nucleo invariante della Tradizione primordiale: la distanza tra il contingente e l’eterno – l’essenziale –, il simbolismo cosmologico e la ricerca dell’unità perduta. Dalle leggi che governano i cicli naturali alla rilettura di antichi testi sapienziali, le composizioni esplorano i misteri della creazione, della vita, della morte e delle profondità dell’interiorità umana.
La prassi musicale si rivela come teofania spontanea – manifestazione sensibile dell’Assoluto – un tentativo di ricostituzione dell’unità primordiale attraverso un’esperienza sonora che, riappropriandosi della propria dimensione cosmogonica originaria, diviene principio generativo di nuove possibilità esistenziali. Questo approccio si pone in deliberata opposizione alla visione quantitativa e meccanicistica che, come indicato dall’esoterista di Blois in La crisi del mondo moderno, caratterizza l’epoca contemporanea e il materialismo unipolare ampiamente coadiuvato dall’assenso dogmatico delle masse. In un’epoca segnata dalla frammentazione dei saperi e dall’atomizzazione delle competenze – separata da ogni orizzonte metafisico – Caverna delle Rose propone una prassi artistica integrale, dove l’esperienza estetica non è mai separata dalla dimensione etica e metafisica, recuperando quella visione pitagorica secondo cui l’armonia musicale riflette l’ordine cosmico e influenza direttamente l’anima umana, con conseguenze sul piano sociale, politico e spirituale. La ricerca di Caverna delle Rose, in accordo alla prospettiva multipolare e al principio dell’unità trascendente delle tradizioni, attinge a diversi patrimoni culturali attraverso sintesi innovative e classiche, offrendo itinerari possibili alle inquietudini spirituali contemporanee. Il progetto si propone come via oltre la modernità nel senso indicato da Julius Evola, una trasfigurazione militante – stile dell’anima – che recuperi e inveri la dimensione verticale dell’esistenza dell’uomo della resistenza, dell’uomo dritto fra le rovine. La musica diviene così medium di comunicazione universale in un mondo segnato dal regno della quantità, favorendo il dialogo tra culture diverse ed evidenziando la dimensione sacra che costituisce il nucleo essenziale di ogni autentica Tradizione.
La concezione della musica come percorso “mistico” sottolinea la centralità dell’esperienza estatica, realizzata attraverso un’alchimia modale che intreccia suoni e strumenti eterogenei: voce, fiati, archi, percussioni, suoni elettronici e rumori naturali, in una sintesi che evoca l’armonia degli opposti ben nota alla tradizione ermetica.

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CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭca – Voci e Rumori

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ANNA NEZHNAYA

Opere tessili ispirate all’immaginario di Nikolaj Konstantinovič Rerich

IL PATTO DI BELLEZZA NEL DISEGNO DI ANNA NEZHNAYA
“Nel mio percorso creativo, come scenografo teatrale e autore di progetti artistici, ho “incrociato” Nikolaj Rerich in produzioni dedicate ai suoi Balletti Russi “La Sagra della Primavera” e “Danze polovesiane”, creando varianti moderne delle decorazioni e nuove installazioni di design. Seguendo le orme dei demiurghi dell’arte, nasce così una serie di opere grafiche stilizzate, nelle quali illustro la storia teatrale in stile Art Deco. Nel tentativo di riempire di idee tutti i piani, come un mosaico di allusioni, ho “intarsiato” il palcoscenico di ogni tema con i nomi di eroi mitologici, maschere di antiche divinità e ritratti di importanti rappresentanti del Novecento: Vaclav Nižinskij, Alexander Borodin, Igor Stravinskij e Gabriele d’Annunzio. Utilizzando la stampa mista digitale su seta, riproduco le immagini anche nel formato quadrato del foulard. Nel 2025 dedico questi pannelli decorativi al novantesimo anniversario del Patto Roerich per la Protezione dei Beni Culturali”. – Anna Nezhnaya, artista, designer, ricercatore del patrimonio dell’impresa “Le Stagioni Russe” e dell’Avanguardia europea della prima metà del XX secolo, detentore dell’Ordine di Diaghilev per il suo contributo alla promozione della cultura russa e allo sviluppo delle relazioni bilaterali italo-russe nel campo della cultura.

АННА НЕЖНАЯ

ПАКТ КРАСОТЫ В ДИЗАЙНЕ АННЫ НЕЖНОЙ
«На своем творческом пути как сценограф и автор художественных проектов я «пересекалась» с Николаем Рерихом в постановках, посвященных его Русским Балетам «Весна священная» и «Половецкие пляски», создавая современные вариации декораций и новые дизайнерские инсталляции. Следуя по стопам демиургов искусства, так родилась серия стилизованных графических работ, в которых я иллюстрирую историю театра в стиле Арт Деко. Стремясь наполнить все уровни идеями, словно мозаикой аллюзий, я «инкрустировала» сцену каждой темы именами мифологических героев, масками античных божеств и портретами важных представителей ХХ века: Вацлава Нижинского, Александра Бородина, Игоря Стравинского и Габриэле д’Аннунцио. С помощью смешанной техники цифровой печати на шелке я воспроизвожу изображения также в виде квадратного платка. В 2025 году декоративные панно я посвящаю 90-летию Пакта Рериха об охране культурных ценностей». – Анна Нежная, художник, дизайнер, исследователь наследия антрепризы «Русские сезоны» и европейского авангарда первой половины XX века, кавалер ордена Дягилева за вклад в продвижении русской культуры и развитие двусторонних российско-итальянских отношений в области культуры.

“La Giornata internazionale della Terra, la Dichiarazione dei siti patrimonio mondiale dell’UNESCO e la Dichiarazione universale della diversità culturale, sono gli eredi del progetto politico e artistico “Roerich Pact”. Pittore, scenografo, etnografo, pensatore, viaggiatore, geografo e personaggio pubblico, Nikolaj Rerich fu l’ideatore di questo accordo, firmato il 15 aprile 1935 dai rappresentanti di 21 stati, che divenne precursore del diritto internazionale umanitario nel campo della protezione dei beni culturali. Rerich ha creato non solo il contenuto filosofico di questo documento, ma anche la sua visualizzazione. Nella serie di tavole “Ospiti immaginari del Vittoriale” metto a confronto Gabriele d’Annunzio, esempio lampante dell’Illuminismo che accese la sua stella sul Lago di Garda, in un dialogo silenzioso con Nikolaj Rerich, artista-filosofo rifugiatosi dai vortici del XX secolo nell’Himalaya. Come un miraggio nell’aria tremante dalle acque calde delle terme romane, fluttuano le parole che ho scelto come epigrafi: il motto di d’Annunzio “Io ho quel che ho donato” e la frase con cui Rerich firmava le sue lettere agli amici: “Nello Spirito con te”. Generatori di idee e sensi, protagonisti dell’epoca della nuova arte, mi ispirano in ogni gesto sia di vita che di creatività.” – Anna Nezhnaya

«Международный день Земли, Декларация Всемирного наследия ЮНЕСКО, Всеобщая декларация культурного разнообразия являются наследниками политико-художественного проекта «Пакт Рериха». Живописец, театральный художник, этнограф, мыслитель, путешественник, географ и общественный деятель, Николай Рерих был создателем этого соглашения, подписанного 15 апреля 1935 года представителями 21 государства, которое стало предтечей международного гуманитарного права в области охраны культурных ценностей. Рерих создал не только философское содержание этого документа, но и его визуализацию. В панно серии «Воображаемые гости Витториале» яркий пример иллюминизма, зажегшего свою звезду на Озере Гарда, Габриеле д’Аннунциo я противопоставляю в немом диалоге с Николаем Рерихом, художником-философом, укрывшемся от водоворотов ХХ века в Гималайях. Как мираж в дрожащем от горячих источников романских терм воздухе парят слова, которые я выбрала в качестве эпиграфов: девиз д’Аннунцио «Имею то, что отдаю» и фраза, которой Рерих подписывал свои письма друзьям – «Духом с Вами». Генераторы идей и смыслов, главные герои эпохи нового искусства вдохновляют меня в каждом жесте жизни и творчества.» – Анна Нежная

© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

ENGLISH

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭc – Voices and Noises

CAVERNA DELLE ROSE
AimA Lichtblau and Laura Manescalchi
The Art of Rarefied Heights – “The Saints Boris and Gleb”
From the painting of Nikolaj Konstantinovich Roerich to soundscapes
On the occasion of the lyrical evening
in homage to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovich Roerich (1874–1947)
Church of San Matteo, Laigueglia
6 May 2025
“[...] his painting essentially has the value of a ‘path’: a path toward something transcendent, in the integral sense of this term and with reference not to an abstraction, but to a real experience.”
– Julius Evola, Meditations on the Peaks
Organized by the Center for Film Festivals and International Programs with the support of the Italian-Russian Dialogue Forum, as part of the Cultural Mission in Italy project and in collaboration with Cantiere Multipolare, the evening paid tribute to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovič Rerich, a pivotal figure in 20th-century Russian art and creator of a body of work rich in symbolic and transcendent references.
The event brought together renowned Russian performers – Maria Pakhar’, Denis Sedov, and Sergej Semenov – and, representing the Musĭca – Voices and Noises section of Cantiere Multipolare, the young Italian artists of the experimental music collective Caverna delle Rose, featuring AimA Lichtblau (voice, overtone harp) and Laura Manescalchi (transverse flute).
Opening the evening, Caverna delle Rose presented a sonic exploration inspired by Rerich’s aesthetic, reinterpreted through a mystical and synesthetic lens, drawing on the insights of Julius Evola and Elémire Zolla. Their performance offered an acoustic transposition of verticality, interpreting painting as an initiatory path and sound as a means of spiritual elevation.
Enriching the evening was the presentation of the scarves created by the artist, set designer, and designer Anna Nezhnaya — silk-printed graphic works born from an extensive theatrical and symbolic research process. These creations — dedicated to the 90th anniversary of the Roerich Pact — evoke the legacy of the Ballets Russes and pay homage to key cultural figures of the twentieth century, such as Nižinskij, Borodin, Stravinskij, and d’Annunzio, intertwining myth, history, and art in a unified aesthetic gesture.
The event also marked the release of the first Cantiere Multipolare Notebook, featuring the theoretical text that accompanied the sonic performance: The Art of Rarefied Heights – From the Painting of Nikolaj Rerich to Sonic Landscapes.

“The Saints Boris and Gleb”. This work is a quintessential example of Roerich’s syncretic approach to religious traditions. The holy martyrs of Russian Orthodox Christianity are depicted with a stylization that blends elements of Byzantine iconography with influences from Tibetan painting and Central Asian art. The two-dimensionality of the figures and the use of pure colors indicate a move beyond mimetic representation in favor of a symbolic presentation of the sacred. The inner luminosity of the figures, conveyed through a golden aura, transcends the specificity of the Orthodox tradition to become a universal symbol of holiness as a state of enlightened consciousness. In this way, Roerich creates a visual synthesis that suggests the fundamental unity of mystical experience beyond confessional differences.
Likewise, on the musical level, the invocation of strength — of vigor — becomes invocation and mantra, a fusion of liturgical chant and Eastern tonalities, taking shape as a sound with golden and warm hues.

Caverna delle Rose – Poetic-Musical Praxis
“[...] it is still the transcendent spirit that holds the thread and the staff of command.”
– Roberto Melchionda, The Thunderbolt of Apollo, in Julius Evola, Orientations – Eleven Points
Led by AimA Lichtblau and Diego Cinquegrana – joined by flutist Laura Manescalchi and baritone-percussionist Evor Ameisie (Camerata Mediolanense) – Caverna delle Rose presents itself as a liminal musical project, situated between abstraction, research, and reinterpretation: a sonic bridge connecting ancient practices and contemporary sensibilities.
Rooted in the contemplation of nature, traditional wisdom, and the perennial principles that have always traversed emerging civilizations, Caverna delle Rose translates into musical language those fundamental themes identified by René Guénon as the invariant core of the Primordial Tradition: the distance between the contingent and the eternal – the essential –, cosmological symbolism, and the search for the lost unity.
From the laws that govern natural cycles to the reinterpretation of ancient sapiential texts, the compositions explore the mysteries of creation, life, death, and the depths of human interiority. The musical praxis reveals itself as a spontaneous theophany – a sensible manifestation of the Absolute – an attempt to reconstitute primordial unity through a sonic experience that, reclaiming its original cosmogonic dimension, becomes a generative principle of new existential possibilities.
This approach stands in deliberate opposition to the quantitative and mechanistic worldview that, as indicated by the esotericist from Blois in The Crisis of the Modern World, characterizes contemporary times and the unipolar materialism widely supported by the dogmatic consent of the masses.
In an age marked by the fragmentation of knowledge and the atomization of competences – cut off from any metaphysical horizon – Caverna delle Rose proposes an integral artistic praxis, where the aesthetic experience is never separated from the ethical and metaphysical dimension. It recovers the Pythagorean vision according to which musical harmony reflects cosmic order and directly influences the human soul, with consequences on the social, political, and spiritual levels.
The research of Caverna delle Rose, aligned with the multipolar perspective and the principle of the transcendent unity of traditions, draws on various cultural heritages through innovative and classical syntheses, offering possible itineraries to contemporary spiritual restlessness.
The project proposes itself as a path beyond modernity, in the sense indicated by Julius Evola – a militant transfiguration, a style of the soul – recovering and realizing the vertical dimension of the existence of the man of resistance, the upright man among the ruins.
Thus, music becomes a medium of universal communication in a world dominated by the reign of quantity, fostering dialogue among diverse cultures and highlighting the sacred dimension that constitutes the essential core of every authentic Tradition.
The conception of music as a “mystical” path underlines the centrality of ecstatic experience, achieved through a modal alchemy that intertwines diverse sounds and instruments: voice, winds, strings, percussion, electronic sounds, and natural noises – in a synthesis that evokes the harmony of opposites well known to the hermetic tradition.
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CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭc – Voices and Noises

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ANNA NEZHNAYA
Textile works inspired by the imagery of Nikolai Konstantinovich Roerich
THE PACT OF BEAUTY IN THE ART OF ANNA NEZHNAYA

“In my creative journey, as a theatrical set designer and author of artistic projects, I ‘crossed paths’ with Nikolai Roerich through productions dedicated to his Russian Ballets The Rite of Spring and Polovtsian Dances, creating modern reinterpretations of his stage designs and new design installations. Following in the footsteps of the demiurges of art, I created a series of stylized graphic works in which I illustrate theatrical history in an Art Deco style.
In an attempt to fill every plane with ideas—like a mosaic of allusions—I have inlaid the stage of each theme with the names of mythological heroes, masks of ancient deities, and portraits of important figures from the twentieth century: Vaclav Nijinsky, Alexander Borodin, Igor Stravinsky, and Gabriele d’Annunzio. Using mixed digital printing on silk, I also reproduce the images in the square format of scarves. In 2025, I dedicate these decorative panels to the ninetieth anniversary of the Roerich Pact for the Protection of Cultural Property.”
– Anna Nezhnaya, artist, designer, researcher of the heritage of the “Russian Seasons” project and of the European avant-garde of the early twentieth century, recipient of the Diaghilev Order for her contribution to the promotion of Russian culture and to the development of Italian-Russian cultural relations.

“International Earth Day, the designation of UNESCO World Heritage Sites, and the Universal Declaration on Cultural Diversity are the heirs of the political and artistic project known as the Roerich Pact.”
Painter, set designer, ethnographer, thinker, traveler, geographer, and public figure, Nikolai Roerich was the creator of this agreement, signed on April 15, 1935, by representatives of 21 states. It became a forerunner of international humanitarian law in the field of cultural heritage protection. Roerich not only conceived the philosophical content of this document but also designed its visual representation.
In the series of panels “Imaginary Guests of the Vittoriale,” I juxtapose Gabriele d’Annunzio, a striking example of the Enlightenment whose star rose over Lake Garda, in a silent dialogue with Nikolai Roerich, the artist-philosopher who sought refuge from the storms of the 20th century in the Himalayas.
Like a mirage in the shimmering air above the warm waters of Roman thermal baths, the words I have chosen as epigraphs float between them: d’Annunzio’s motto “I have what I have given” and the phrase with which Roerich signed his letters to friends: “In Spirit with you.”
Generators of ideas and meaning, protagonists of the era of new art, they inspire me in every gesture — of both life and creativity. – Anna Nezhnaya

© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

In occasione della serata lirica
in omaggio ai 150 anni dalla nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich (1874–1947)
Chiesa di San Matteo di Laigueglia
6 Maggio 2025

«[…] la sua pittura ha essenzialmente il valore di una “via”: di una via verso qualcosa di trascendente, nel senso integrale di questo termine e con riferimento non ad un’astrazione, ma a un’esperienza reale». – Julius Evola, Meditazioni delle Vette.

Organizzata dal Centro dei Festival Cinematografici e Programmi Internazionali con il sostegno del Forum del dialogo Italo-russo, nella cornice del progetto Missione culturale in Italia e con la collaborazione di Cantiere Multipolare, la serata ha reso omaggio al 150° anniversario della nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich, figura cardine dell’arte russa del Novecento e autore di una pittura densa di riferimenti simbolici e trascendenti.
L’evento ha riunito interpreti russi di prestigio – Maria Pakhar’, Denis Sedov e Sergej Semenov – e, per la sezione Musĭca – Voci e Rumori di Cantiere Multipolare, i giovani artisti italiani del collettivo Caverna delle Rose, rappresentato per l’occasione da AimA Lichtblau (voce, overtone harp) e Laura Manescalchi (flauto traverso).
In apertura, Caverna delle Rose ha proposto un’esplorazione sonora ispirata all’estetica di Rerich, riletta in chiave sinestetica e mistica attraverso riferimenti a Julius Evola ed Elémire Zolla. L’intervento ha offerto una trasposizione acustica del concetto di verticalità, interpretando la pittura come via iniziatica e il suono come strumento di elevazione spirituale.
Ad arricchire la serata è stata la presentazione dei foulard dell’artista, scenografo e designer Anna Nezhnaya, opere grafiche stampate su seta nate da un lungo percorso di ricerca teatrale e simbolica. Queste creazioni — dedicate al novantesimo anniversario del Patto Rerich — rievocano la tradizione dei Balletti Russi e rendono omaggio a figure cardine della cultura del Novecento, come Nižinskij, Borodin, Stravinskij e d’Annunzio, intrecciando mito, storia e arte in un unico gesto estetico.
L’iniziativa ha visto anche la pubblicazione del primo Quaderno di Cantiere Multipolare, contenente il testo teorico dell’intervento sonoro: L’Arte delle Altezze Rarefatte – Dalla pittura di Nikolaj Rerich ai paesaggi sonori.

Un sogno in una notte d’Estate
Nikolaj Rimskij-Korsakov – testo di Apollon Majkov
Maria Pakhar’ – soprano
Sergej Semenov – pianoforte

Composta nel 1898, questa romanza riflette l’interesse di Rimskij-Korsakov per il simbolismo poetico e il mondo onirico. Il testo di Apollon Majkov, scritto nel 1857, evoca l’apparizione notturna di un dio dei sogni, in una dimensione sospesa tra desiderio, visione e mistero. L’estetica musicale si inserisce nella tradizione lirica russa del XIX secolo, dove parola e suono si fondono in una rivelazione interiore.

Сон в летнюю ночь

Николай Римский-Корсаков – текст Аполлона Майкова
Мария Пахарь – сопрано
Сергей Семенов — фортепиано

Написанный в 1898 году, этот романс отражает интерес Римского-Корсакова к поэтическому символизму и миру грёз. Текст Аполлона Майкова, написанный в 1857 году, вызывает к жизни полуночное явление бога сновидений в состоянии застывшем между желанием, видением и тайной. Эта музыкальная эстетика является частью русской лирической традиции XIX века, где слова и звуки сливаются во внутреннем откровении.

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭca – Voci e Rumori

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ANNA NEZHNAYA

Opere tessili ispirate all’immaginario di Nikolaj Konstantinovič Rerich

IL PATTO DI BELLEZZA NEL DISEGNO DI ANNA NEZHNAYA
“Nel mio percorso creativo, come scenografo teatrale e autore di progetti artistici, ho “incrociato” Nikolaj Rerich in produzioni dedicate ai suoi Balletti Russi “La Sagra della Primavera” e “Danze polovesiane”, creando varianti moderne delle decorazioni e nuove installazioni di design. Seguendo le orme dei demiurghi dell’arte, nasce così una serie di opere grafiche stilizzate, nelle quali illustro la storia teatrale in stile Art Deco. Nel tentativo di riempire di idee tutti i piani, come un mosaico di allusioni, ho “intarsiato” il palcoscenico di ogni tema con i nomi di eroi mitologici, maschere di antiche divinità e ritratti di importanti rappresentanti del Novecento: Vaclav Nižinskij, Alexander Borodin, Igor Stravinskij e Gabriele d’Annunzio. Utilizzando la stampa mista digitale su seta, riproduco le immagini anche nel formato quadrato del foulard. Nel 2025 dedico questi pannelli decorativi al novantesimo anniversario del Patto Roerich per la Protezione dei Beni Culturali”. – Anna Nezhnaya, artista, designer, ricercatore del patrimonio dell’impresa “Le Stagioni Russe” e dell’Avanguardia europea della prima metà del XX secolo, detentore dell’Ordine di Diaghilev per il suo contributo alla promozione della cultura russa e allo sviluppo delle relazioni bilaterali italo-russe nel campo della cultura.

АННА НЕЖНАЯ

ПАКТ КРАСОТЫ В ДИЗАЙНЕ АННЫ НЕЖНОЙ
«На своем творческом пути как сценограф и автор художественных проектов я «пересекалась» с Николаем Рерихом в постановках, посвященных его Русским Балетам «Весна священная» и «Половецкие пляски», создавая современные вариации декораций и новые дизайнерские инсталляции. Следуя по стопам демиургов искусства, так родилась серия стилизованных графических работ, в которых я иллюстрирую историю театра в стиле Арт Деко. Стремясь наполнить все уровни идеями, словно мозаикой аллюзий, я «инкрустировала» сцену каждой темы именами мифологических героев, масками античных божеств и портретами важных представителей ХХ века: Вацлава Нижинского, Александра Бородина, Игоря Стравинского и Габриэле д’Аннунцио. С помощью смешанной техники цифровой печати на шелке я воспроизвожу изображения также в виде квадратного платка. В 2025 году декоративные панно я посвящаю 90-летию Пакта Рериха об охране культурных ценностей». – Анна Нежная, художник, дизайнер, исследователь наследия антрепризы «Русские сезоны» и европейского авангарда первой половины XX века, кавалер ордена Дягилева за вклад в продвижении русской культуры и развитие двусторонних российско-итальянских отношений в области культуры.

“Rerich ha creato non solo il contenuto filosofico del Patto che porta il suo nome, ma anche la sua visualizzazione: “… la bandiera proposta è un simbolo del Mondo intero, non di un paese, ma dell’intero Mondo civilizzato. Lo Stendardo presenta tre Sfere amaranto collegate tra loro in un cerchio su sfondo bianco, come simbolo di Eternità e Unità”. Quale fulgido esempio della generazione di Titani che passò dal romantico diciannovesimo secolo all’avanguardia del ventesimo, come d’Annunzio, Rerich unì l’amore per la storia antica alla passione per l’innovazione e la rappresentazione stilizzata. Seguendo questa direzione ho creato una serie di opere grafiche stilizzate come vecchi manifesti, nelle quali illustro la storia del Novecento. Utilizzando la stampa mista digitale su seta, realizzo queste immagini sotto forma di foulard che appendo come bandiere”. – Anna Nezhnaya

«Рерих создал не только философское содержание Пакта, носящего его имя, но и визуализацию: «… предлагаемый флаг является символом всего Мира, не одной страны, а всего цивилизованного Мира. На Знамени изображены три амарантовые Сферы, соединенные между собой в круг на белом фоне, как символ Вечности и Единства». Являясь ярким примером поколения титанов, перешедших от романтического девятнадцатого века к авангарду двадцатого, подобно д’Аннунцио, Рерих сочетал любовь к древней истории со страстью к новаторству и стилизованному обобщению. Следуя этому направлению, я создалa серию графических работ, стилизованных под старые плакаты, в которых иллюстрирую историю ХХ века. Используя цифровую смешанную технику печати на шелке, я реализую эти изображения в виде платков, которые развешиваю как флаги.» – Анна Нежная

© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

ENGLISH

A Dream on a Summer Night
Nikolai Rimsky-Korsakov, text by Apollon Maykov
Maria Pakhar’- soprano
Sergej Semenov – piano

On the occasion of the lyrical evening
in homage to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovich Roerich (1874–1947)
Church of San Matteo, Laigueglia
6 May 2025
“[...] his painting essentially has the value of a ‘path’: a path toward something transcendent, in the integral sense of this term and with reference not to an abstraction, but to a real experience.”
– Julius Evola, Meditations on the Peaks
Organized by the Center for Film Festivals and International Programs with the support of the Italian-Russian Dialogue Forum, as part of the Cultural Mission in Italy project and in collaboration with Cantiere Multipolare, the evening paid tribute to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovič Rerich, a pivotal figure in 20th-century Russian art and creator of a body of work rich in symbolic and transcendent references.
The event brought together renowned Russian performers – Maria Pakhar’, Denis Sedov, and Sergej Semenov – and, representing the Musĭca – Voices and Noises section of Cantiere Multipolare, the young Italian artists of the experimental music collective Caverna delle Rose, featuring AimA Lichtblau (voice, overtone harp) and Laura Manescalchi (transverse flute).
Opening the evening, Caverna delle Rose presented a sonic exploration inspired by Rerich’s aesthetic, reinterpreted through a mystical and synesthetic lens, drawing on the insights of Julius Evola and Elémire Zolla. Their performance offered an acoustic transposition of verticality, interpreting painting as an initiatory path and sound as a means of spiritual elevation.
Enriching the evening was the presentation of the scarves created by the artist, set designer, and designer Anna Nezhnaya — silk-printed graphic works born from an extensive theatrical and symbolic research process. These creations — dedicated to the 90th anniversary of the Roerich Pact — evoke the legacy of the Ballets Russes and pay homage to key cultural figures of the twentieth century, such as Nižinskij, Borodin, Stravinskij, and d’Annunzio, intertwining myth, history, and art in a unified aesthetic gesture.
The event also marked the release of the first Cantiere Multipolare Notebook, featuring the theoretical text that accompanied the sonic performance: The Art of Rarefied Heights – From the Painting of Nikolaj Rerich to Sonic Landscapes.

A Dream on a Summer Night
Nikolai Rimsky-Korsakov – text by Apollon Maykov
Maria Pakhar’ – soprano
Sergej Semenov – piano

Composed in 1898, this romance reflects Rimsky-Korsakov’s interest in poetic symbolism and the dreamlike world. The text by Apollon Maykov, written in 1857, evokes the nocturnal appearance of a god of dreams, in a realm suspended between desire, vision, and mystery. The musical aesthetic belongs to the Russian lyrical tradition of the 19th century, where word and sound merge into an inner revelation.

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭc – Voices and Noises

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Email: cantiere.multipolare@gmail.com

ANNA NEZHNAYA
Textile works inspired by the imagery of Nikolai Konstantinovich Roerich
THE PACT OF BEAUTY IN THE ART OF ANNA NEZHNAYA

“In my creative journey, as a theatrical set designer and author of artistic projects, I ‘crossed paths’ with Nikolai Roerich through productions dedicated to his Russian Ballets The Rite of Spring and Polovtsian Dances, creating modern reinterpretations of his stage designs and new design installations. Following in the footsteps of the demiurges of art, I created a series of stylized graphic works in which I illustrate theatrical history in an Art Deco style.
In an attempt to fill every plane with ideas—like a mosaic of allusions—I have inlaid the stage of each theme with the names of mythological heroes, masks of ancient deities, and portraits of important figures from the twentieth century: Vaclav Nijinsky, Alexander Borodin, Igor Stravinsky, and Gabriele d’Annunzio. Using mixed digital printing on silk, I also reproduce the images in the square format of scarves. In 2025, I dedicate these decorative panels to the ninetieth anniversary of the Roerich Pact for the Protection of Cultural Property.”
– Anna Nezhnaya, artist, designer, researcher of the heritage of the “Russian Seasons” project and of the European avant-garde of the early twentieth century, recipient of the Diaghilev Order for her contribution to the promotion of Russian culture and to the development of Italian-Russian cultural relations.

“Roerich created not only the philosophical content of the Pact that bears his name, but also its visualization: ‘… the proposed flag is a symbol of the entire World, not of a single country, but of the whole civilized World. The Banner features three amaranth Spheres connected in a circle on a white background, as a symbol of Eternity and Unity.’ A shining example of the generation of Titans who transitioned from the Romantic nineteenth century to the avant-garde of the twentieth, like d’Annunzio, Roerich combined a love for ancient history with a passion for innovation and stylized representation. Following this direction, I created a series of stylized graphic works inspired by old posters, in which I illustrate the history of the twentieth century. Using mixed digital printing on silk, I produce these images in the form of scarves that I hang like flags.”
— Anna Nezhnaya

© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

In occasione della serata lirica
in omaggio ai 150 anni dalla nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich (1874–1947)
Chiesa di San Matteo di Laigueglia
6 Maggio 2025

«[…] la sua pittura ha essenzialmente il valore di una “via”: di una via verso qualcosa di trascendente, nel senso integrale di questo termine e con riferimento non ad un’astrazione, ma a un’esperienza reale». – Julius Evola, Meditazioni delle Vette.

Organizzata dal Centro dei Festival Cinematografici e Programmi Internazionali con il sostegno del Forum del dialogo Italo-russo, nella cornice del progetto Missione culturale in Italia e con la collaborazione di Cantiere Multipolare, la serata ha reso omaggio al 150° anniversario della nascita di Nikolaj Konstantinovič Rerich, figura cardine dell’arte russa del Novecento e autore di una pittura densa di riferimenti simbolici e trascendenti.
L’evento ha riunito interpreti russi di prestigio – Maria Pakhar’, Denis Sedov e Sergej Semenov – e, per la sezione Musĭca – Voci e Rumori di Cantiere Multipolare, i giovani artisti italiani del collettivo Caverna delle Rose, rappresentato per l’occasione da AimA Lichtblau (voce, overtone harp) e Laura Manescalchi (flauto traverso).
In apertura, Caverna delle Rose ha proposto un’esplorazione sonora ispirata all’estetica di Rerich, riletta in chiave sinestetica e mistica attraverso riferimenti a Julius Evola ed Elémire Zolla. L’intervento ha offerto una trasposizione acustica del concetto di verticalità, interpretando la pittura come via iniziatica e il suono come strumento di elevazione spirituale.
Ad arricchire la serata è stata la presentazione dei foulard dell’artista, scenografo e designer Anna Nezhnaya, opere grafiche stampate su seta nate da un lungo percorso di ricerca teatrale e simbolica. Queste creazioni — dedicate al novantesimo anniversario del Patto Rerich — rievocano la tradizione dei Balletti Russi e rendono omaggio a figure cardine della cultura del Novecento, come Nižinskij, Borodin, Stravinskij e d’Annunzio, intrecciando mito, storia e arte in un unico gesto estetico.
L’iniziativa ha visto anche la pubblicazione del primo Quaderno di Cantiere Multipolare, contenente il testo teorico dell’intervento sonoro: L’Arte delle Altezze Rarefatte – Dalla pittura di Nikolaj Rerich ai paesaggi sonori.

Dubbio – Somnenie
Mikhail Glinka – testo di Nestor Kukolnik
Denis Sedov – basso-baritono
Sergej Semenov – pianoforte

Scritta nel 1838, questa romanza rappresenta uno dei vertici della lirica intimista russa. Glinka, padre della musica nazionale, mette in scena l’inquietudine dell’anima davanti all’incertezza amorosa, trasformando il testo di Kukolnik in un paesaggio sonoro carico di tensione e malinconia. Il “dubbio” non è solo sentimentale: è un varco esistenziale, un attimo sospeso tra luce e tenebra, in cui il cuore si confronta con l’enigma del destino.

Сомнение
Михаил Глинка – текст Нестора Кукольника
Денис Седов – бас
Сергей Семенов — фортепиано

Написанный в 1838 году, этот романс представляет собой одну из вершин русской интимной лирической поэзии. Глинка, отец русской национальной музыки, разыгрывает на сцене беспокойство души перед лицом любовной неопределенности, превращая текст Кукольника в звуковой ландшафт, полный напряжения и меланхолии. «Сомнение» не только чувственно-сентиментальный: это экзистенциальный разрыв, момент, подвешенный между светом и тьмой, в котором сердце сталкивается с загадкой судьбы.

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭca – Voci e Rumori

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ANNA NEZHNAYA

Opere tessili ispirate all’immaginario di Nikolaj Konstantinovič Rerich

IL PATTO DI BELLEZZA NEL DISEGNO DI ANNA NEZHNAYA
“Nel mio percorso creativo, come scenografo teatrale e autore di progetti artistici, ho “incrociato” Nikolaj Rerich in produzioni dedicate ai suoi Balletti Russi “La Sagra della Primavera” e “Danze polovesiane”, creando varianti moderne delle decorazioni e nuove installazioni di design. Seguendo le orme dei demiurghi dell’arte, nasce così una serie di opere grafiche stilizzate, nelle quali illustro la storia teatrale in stile Art Deco. Nel tentativo di riempire di idee tutti i piani, come un mosaico di allusioni, ho “intarsiato” il palcoscenico di ogni tema con i nomi di eroi mitologici, maschere di antiche divinità e ritratti di importanti rappresentanti del Novecento: Vaclav Nižinskij, Alexander Borodin, Igor Stravinskij e Gabriele d’Annunzio. Utilizzando la stampa mista digitale su seta, riproduco le immagini anche nel formato quadrato del foulard. Nel 2025 dedico questi pannelli decorativi al novantesimo anniversario del Patto Roerich per la Protezione dei Beni Culturali”. – Anna Nezhnaya, artista, designer, ricercatore del patrimonio dell’impresa “Le Stagioni Russe” e dell’Avanguardia europea della prima metà del XX secolo, detentore dell’Ordine di Diaghilev per il suo contributo alla promozione della cultura russa e allo sviluppo delle relazioni bilaterali italo-russe nel campo della cultura.

АННА НЕЖНАЯ

ПАКТ КРАСОТЫ В ДИЗАЙНЕ АННЫ НЕЖНОЙ
«На своем творческом пути как сценограф и автор художественных проектов я «пересекалась» с Николаем Рерихом в постановках, посвященных его Русским Балетам «Весна священная» и «Половецкие пляски», создавая современные вариации декораций и новые дизайнерские инсталляции. Следуя по стопам демиургов искусства, так родилась серия стилизованных графических работ, в которых я иллюстрирую историю театра в стиле Арт Деко. Стремясь наполнить все уровни идеями, словно мозаикой аллюзий, я «инкрустировала» сцену каждой темы именами мифологических героев, масками античных божеств и портретами важных представителей ХХ века: Вацлава Нижинского, Александра Бородина, Игоря Стравинского и Габриэле д’Аннунцио. С помощью смешанной техники цифровой печати на шелке я воспроизвожу изображения также в виде квадратного платка. В 2025 году декоративные панно я посвящаю 90-летию Пакта Рериха об охране культурных ценностей». – Анна Нежная, художник, дизайнер, исследователь наследия антрепризы «Русские сезоны» и европейского авангарда первой половины XX века, кавалер ордена Дягилева за вклад в продвижении русской культуры и развитие двусторонних российско-итальянских отношений в области культуры.

“Fyodor Šaljapin, uno dei cantanti lirici più famosi del Novecento e un brillante rappresentante della generazione di Nikolaj Rerich, ha unito il carisma della divinità ctonia russa con l’illuminazione dell’uomo europeo. Il cantante era amico di Gabriele d’Annunzio, che scrisse: “Così la tua voce umana e sovrumana attraversa le anime d’ogni latitudine e d’ogni tempra”. I ruoli dell’artista spaziano da Mefistofile, incarnato per la prima volta sul palcoscenico del teatro La Scala di Milano e Ivan il Terribile nell’omonima opera delle Stagioni Russe di Diaghilev a Parigi, alle canzoni liriche di cui “Somneniye” è una delle più brillanti. Il percorso creativo di Šaljapin mi ha dato lo stimolo per la creazione di una serie di collage decorativi dedicati al grande artista. Il lavoro teatrale sulla ripresa dei balletti di Diaghilev ha aperto la strada ai miei progetti indipendenti, dediche, concerti, spettacoli, mostre e saggi. La collezione di opere comprende costumi e scenografie, dipinti e pannelli decorativi, oggetti per interni, tessuti e sciarpe di seta di design”. – Anna Nezhnaya

«Федор Шаляпин, один из самых известных оперных певцов ХХ века и яркий представитель поколения Николая Рериха, соединял в себе харизму русского хтонического божества с просвещенностью европейского человека. Певец был другом Габриэле д’Аннунцио, который писал: «Так ваш человеческий и сверхчеловеческий голос проникает в души всех широт и темпераментов». Роли артиста варьируются от Мефистофеля, впервые воплощенного на сцене миланского театра «Ла Скала», и Ивана Грозного в одноименной опере «Русских сезонов» Дягилева в Париже, до лирических песен, среди которых «Сомнение» — одна из самых ярких. Творческий путь Шаляпина побудил меня создать серию декоративных коллажей, посвященных великому артисту. Театральная работа по возрождению балетов Дягилева проложила путь моим самостоятельным проектам, посвящениям, концертам, спектаклям, выставкам и эссе. Коллекция работ включает в себя костюмы и декорации, картины и декоративные панно, предметы интерьера, ткани и дизайнерские шелковые платки.» – Анна Нежная

© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it

ENGLISH

Doubt – Somnenie
Mikhail Glinka – text by Nestor Kukolnik
Denis Sedov – bass-baritone
Sergej Semenov – piano
On the occasion of the lyrical evening
in homage to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovich Roerich (1874–1947)
Church of San Matteo, Laigueglia
6 May 2025
“[...] his painting essentially has the value of a ‘path’: a path toward something transcendent, in the integral sense of this term and with reference not to an abstraction, but to a real experience.”
– Julius Evola, Meditations on the Peaks
Organized by the Center for Film Festivals and International Programs with the support of the Italian-Russian Dialogue Forum, as part of the Cultural Mission in Italy project and in collaboration with Cantiere Multipolare, the evening paid tribute to the 150th anniversary of the birth of Nikolaj Konstantinovič Rerich, a pivotal figure in 20th-century Russian art and creator of a body of work rich in symbolic and transcendent references.
The event brought together renowned Russian performers – Maria Pakhar’, Denis Sedov, and Sergej Semenov – and, representing the Musĭca – Voices and Noises section of Cantiere Multipolare, the young Italian artists of the experimental music collective Caverna delle Rose, featuring AimA Lichtblau (voice, overtone harp) and Laura Manescalchi (transverse flute).
Opening the evening, Caverna delle Rose presented a sonic exploration inspired by Rerich’s aesthetic, reinterpreted through a mystical and synesthetic lens, drawing on the insights of Julius Evola and Elémire Zolla. Their performance offered an acoustic transposition of verticality, interpreting painting as an initiatory path and sound as a means of spiritual elevation.
Enriching the evening was the presentation of the scarves created by the artist, set designer, and designer Anna Nezhnaya — silk-printed graphic works born from an extensive theatrical and symbolic research process. These creations — dedicated to the 90th anniversary of the Roerich Pact — evoke the legacy of the Ballets Russes and pay homage to key cultural figures of the twentieth century, such as Nižinskij, Borodin, Stravinskij, and d’Annunzio, intertwining myth, history, and art in a unified aesthetic gesture.
The event also marked the release of the first Cantiere Multipolare Notebook, featuring the theoretical text that accompanied the sonic performance: The Art of Rarefied Heights – From the Painting of Nikolaj Rerich to Sonic Landscapes.

Doubt – Somnenie
Mikhail Glinka – text by Nestor Kukolnik
Denis Sedov – bass-baritone
Sergej Semenov – piano

Written in 1838, this romance represents one of the pinnacles of Russian intimate lyricism. Glinka, the father of national music, stages the soul’s unrest in the face of amorous uncertainty, transforming Kukolnik’s text into a soundscape charged with tension and melancholy. The “doubt” is not only sentimental: it is an existential passage, a moment suspended between light and darkness, where the heart confronts the enigma of fate.

CANTIERE MULTIPOLARE
Musĭc – Voices and Noises

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ANNA NEZHNAYA
Textile works inspired by the imagery of Nikolai Konstantinovich Roerich
THE PACT OF BEAUTY IN THE ART OF ANNA NEZHNAYA

“In my creative journey, as a theatrical set designer and author of artistic projects, I ‘crossed paths’ with Nikolai Roerich through productions dedicated to his Russian Ballets The Rite of Spring and Polovtsian Dances, creating modern reinterpretations of his stage designs and new design installations. Following in the footsteps of the demiurges of art, I created a series of stylized graphic works in which I illustrate theatrical history in an Art Deco style.
In an attempt to fill every plane with ideas—like a mosaic of allusions—I have inlaid the stage of each theme with the names of mythological heroes, masks of ancient deities, and portraits of important figures from the twentieth century: Vaclav Nijinsky, Alexander Borodin, Igor Stravinsky, and Gabriele d’Annunzio. Using mixed digital printing on silk, I also reproduce the images in the square format of scarves. In 2025, I dedicate these decorative panels to the ninetieth anniversary of the Roerich Pact for the Protection of Cultural Property.”
– Anna Nezhnaya, artist, designer, researcher of the heritage of the “Russian Seasons” project and of the European avant-garde of the early twentieth century, recipient of the Diaghilev Order for her contribution to the promotion of Russian culture and to the development of Italian-Russian cultural relations.

“Fyodor Shalyapin, one of the most renowned opera singers of the 20th century and a brilliant representative of the generation of Nikolai Roerich, embodied the charisma of the Russian chthonic deity and the enlightenment of the European man. The singer was a friend of Gabriele d’Annunzio, who wrote: ‘Thus your human and superhuman voice crosses the souls of every latitude and every temper.’ Shalyapin’s roles ranged from Mephistopheles—first brought to life on the stage of La Scala in Milan—and Ivan the Terrible in the eponymous opera of Diaghilev’s Russian Seasons in Paris, to lyrical songs, among which “Somneniye” remains one of the most brilliant.
Shalyapin’s creative path inspired me to create a series of decorative collages dedicated to this great artist. The theatrical work on reviving Diaghilev’s ballets paved the way for my independent projects—tributes, concerts, performances, exhibitions, and essays. The collection includes costumes and scenographies, paintings and decorative panels, interior objects, designer fabrics, and silk scarves.” — Anna Nezhnaya
© Anna Nezhnaya design.
www.annanezhnaya.it